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Primero de mayo

Hoy es primero de mayo, aunque no sepamos en que día vivimos a causa del confinamiento, hoy es festivo y debe ser conmemorado, aunque las manifestaciones no sean posibles por culpa del (maldito) Covid -19. Hay que recordar, siempre lo digo, conocer la historia y a quienes llevaron a cabo actos que hoy en día no valoramos, las cosas que nos parecen normales no lo eran hace poco más 100 años. ¿A qué me refiero? En este caso a trabajar 8 horas por ejemplo, aunque el trabajo está como está, en 1886 en las fábricas se trabajaban jornadas de 12 horas, hombres, pero también mujeres, niños y ancianos, si tenías 5 años ya podías trabajar. Sin medidas de seguridad, sin descansos. Hasta que el 1 de mayo de 1886 se comenzó en Chicago una huelga, en aquel momento era la segunda ciudad más poblada de Estados Unidos, estamos hablando de la Revolución industrial, se realizó para exigir jornadas laborales de 8 horas, mejoras en las condiciones laborales , seguridad etc. La huelga duró hasta el 4 de mayo cuando los sindicatos convocaron una manifestación en la plaza Haymarket, miles de personas congregadas, los enfrentamientos entre obreros y policía habían comenzado hacía días, y en aquel momento,en aquella plaza un desconocido hizo detonar un artefacto por el cual murió un policía, cinco personas fueron acusadas del hecho, tres periodistas, un tipográfo y un carpintero, fueron condenados a la horca, conocidos a partir de ese momento como “Los mártires de Chicago”.

The Haymarket riot

Naturalmente las cosas no mejoraron, por eso, el 1 de mayo de 1890 se manifestaron los obreros de Estados Unidos, pero esta vez no quedó sólo al otro lado del Atlántico, llegó hasta nosotros, hasta Europa, convirtiéndose en un problema internacional, denominándose “Cuestión social” algunos países, viendo lo que podía suceder, comenzaron a tomar ciertas medidas, hasta la Iglesia tomó cartas en el asunto, ¿os suena San José obrero? El papa del momento, Leon XIII escribió una encíclica sobre las condiciones de los obreros, la primera encíclica social de la Iglesia Católica, y por suerte no la última, 15 de mayo de 1891, “Rerum novarum” en ella exponía la problemática del mundo obrero tal cual es, sin edulcorar, un gran paso para la iglesia que muestra la preocupación del Papa por los trabajadores, por algo se le llamó el “Papa de los obreros” y claro si lo menciona el papa ya no se puede esconder tan fácilmente y menos en países católicos. Aunque no será hasta 1955 cuando se establezca la festividad de San José obrero el 1 de mayo, con Pio XII. Sin embargo los trabajadores no lo tuvieron tan fácil como parece para celebrar su día, en cada país fue diferente, en los primeros años del siglo XX en Europa se produjeron cambios políticos, caídas de monarquias, y por supuesto dos guerras mundiales.



¿Y nosotros? ¿Cómo lo vivieron los padres de nuestros abuelos? Para empezar España es una monarquía, reinaba un joven Alfonso XIII, son los años de la restauración, los obreros salieron a la calle en Madrid a luchar por sus derechos, hubo represión los primeros años, aquí luchábamos por mejoras laborales pero también por las consecuencias de la guerra de Marruecos, lo que provocó más represión, las dictaduras tampoco ayudaron a este movimiento. Hasta que no llegó la Segunda República los trabajadores no tuvieron cierta libertad o derecho a manifestarse y en cuanto llegó el año 36, con la guerra civil, era imposible reivindicar nada, ademas quien tenía ganas de hacer algo en mitad de una guerra, en el bando republicano se podía conmemorar y hubo actos dedicados a ello. Al acabar la guerra todo quedó ilegalizado, el 1 de mayo pasó a convertirse en el 18 de julio día del “Alzamiento nacional”, Franco quiso una fiesta este día para conmemorar la “Exaltación del Trabajo Nacional”. Hasta que en 1955 como ya he mencionado, Pio XII estableció el 1 de mayo como día de San José obrero, con lo cual empezamos a conmemorar ese día, sin manifestaciones por supuesto, solo actos religiosos. A partir de 1978 se pudo comenzar una nueva forma de reivindicar los derechos de los trabajadores que ha llegado hasta nuestros días. Por suerte, desde aquella primera huelga hasta hoy las cosas han cambiado considerablemente. Este es el primer año que no nos podemos manifestar, pero si podemos aprender un poco más sobre historia.

Y no solo historia, han sido muchos los artistas que han reflejado en sus obras en mundo obrero. La que siempre me ha llamado la atención es una de Sorolla “Aún dicen que el pescado es caro” 1894, ya solo el título sin ver la imagen nos dice mucho, según el museo Nacional Del Prado: representa un asunto tan sensible a las vivencias de las gentes de su tierra natal, logrando una de las escenas más emocionantes de la pintura española del realismo social de fin de siglo. Recordemos que la pintura de Sorolla está inmersa en el género social.

Aún dicen que el pescado es caro, Joaquín Sorolla

Como comentaba al principio,los niños a partir de cinco años, trabajaban en las fabricas “La nena obrera” de Planella, pintada en 1889, una niña utilizando en un telar, viva imagen del trabajo infantil en una fábrica textil, esta imagen me recuerda a mi abuela, que desde jovencita ella y sus hermanas trabajaban en un telar,me la imagino igual solo que con el pelo negro azabache.

La nena obrera, Planella

En otros países tenemos obras como las de Edward Munch “Obreros en la nieve” de 1913, aquí muestra su sensibilidad a los cambios que están sucediendo en la sociedad, el modelo es una persona real, su propio vecino, trabajador de la construcción.

Obreros en la nieve, Edward Munch

Millet nos muestra muchas escenas de trabajadores en el campo, he elegido “Los sembradores de patatas” de 1861, el artista refleja las condiciones duras en las que vivían los campesinos en Francia.

Los sembradores de patatas, Millet

Las representaciones no son solo en pintura, el siglo XX nos trajo la fotografía, en 1932 fue tomada esta imagen en Nueva York, “Almuerzo en lo alto de un rascacielos” los obreros que construían el Edificio RCA en el Rockefeller Center, es común confundirlo con la construcción del Empire State. Sentados a 260 metros de altura, sin ningún tipo de sujeción, compartiendo la comida, el cigarro o la conversación. Muestra clara de las condiciones laborales en la época de la construcción de los grandes rascacielos que hoy nos fascinan.

Almuerzo en lo alto de un rascacielos, anónimo
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Patrimonio Pintura Siglo XIX Sin categoría SXX

El pintor de gatos

In the Vineyard, En el viñedo

En estos días que nos parecen tan duro rondan en mi cabeza artistas que fueron encerrados por causa de fuerza mayor, ellos no pudieron elegir, por motivos que se escapaban a su control tuvieron que pasar años no precisamente en sus casas, es el caso del “Pintor de gatos” las imágenes que os muestro seguro que os suena, ya las habéis visto, son gatitos tiernos graciosos e infantiles que nos alegran el día.

Pero, cómo alguien se dedica a pintar gatos y de esta manera. Ante todo pongámosle nombre, Louis Wain (1860-1936) artista inglés nacido en Clerkenwell, estudió en la West London School of Arts, donde llegó a dar clases. Sin embargo abandonó esta profesión para centrarse en su pintura. En este punto para ganarse la vida comenzó a trabajar como ilustrador en revistas como Illustrated London News. Donde principalmente dibujaba todo tipo de animales.Las caricaturas de gatos llegaron posteriormente, cuando su esposa Emily enfermó de cáncer de mama, débil, Emily siempre sonreía al ver a su gato Peter, algo que entendemos a la perfección todos los que tenemos mascota. Para animar a su esposa comenzó a hacer caricaturas de Peter en actitudes y situaciones divertidas, esto le empezó a reportar cierto éxito centrándose únicamente en sus caricaturas gatunas.

Tabbies in Hyde Park

¿Y cómo son estos gatos? Son figuras antropomorfas, gatos con actitudes humanas y realizando actividades solo propias de los humanos. Al principio eran gatos con cuerpo de animal que, por ejemplo, leían el periódico. Poco a poco se fueron humanizando. Su intención a la hora de realizar las caricaturas pasó de un entretenimiento a caricaturizar la sociedad inglesa del momento. Solía recorrer la ciudad, acudir a los ambientes sociales y dibujar lo que veía, siempre transformando a las personas en gatos, estos dibujos llegaron a gustar tanto que ilustró varios cuentos infantiles, era contratado en ediciones de los más importantes periódicos de la época, así como calendarios, postales etc. El mayor éxito de su carrera llegó cuando publicó su propia revista “Louis Wain Annual” este éxito sin embargo, no pudo ser compartido con Emily, murió antes de poder ver a su marido reconocido por la élite inglesa.

The bachelor party, La fiesta de los solteros

Y que tiene todo esto que ver con hablar de artistas encerrados, pues bien, Louis, tras años de éxitos, comenzó a tener cambios en su carácter, llegando a sufrir alucinaciones y ataques de ansiedad, fue diagnosticado de esquizofrenia, todos estos cambios fue expresándolos en su pintura, si bien continuaba pintando gatos, eran mucho más coloridos y abstractos, dejando a un lado las escenas bucólicas que le hicieron famoso. Llegó a estar tan enfermo que tuvo que ser encerrado en un hospital psiquiátrico, no obstante las condiciones del lugar eran tan lamentables y él era tan querido que H.G Wells contactó con el Primer ministro y consiguió que le trasladaran al Bethem Royal Hospital, donde las instalaciones y las condiciones eran muy superiores, estando dotado de jardín e incluso de una colonia de gatos a los que por supuesto se dedicó a retratar ya no como personas, su arte fue evolucionando hacia la abstracción, realizando combinaciones de líneas, formas caleidoscopicas y colores vivos, nos muestra un impulso creativo, la forma de expresar lo que siente alguien que no tiene otro medio para hacerlo. El punto de vista de una vida que jamas seremos capaces de ver.

A cat in a gothic style

Y así pasó los últimos quince años de su vida, encerrado y pintando, sus amigos, siempre leales, se encargaban de que nunca faltaran gatos en aquel jardín. H.G.Wells afirmó que “Los gatos de Inglaterra que no se parecen a los gatos de Louis Wain se avergüenzan de sí mismos”

Y es que el arte es una vía de escape, una de las mejores maneras de expresarnos, desde aquí os animo a coger un lápiz y un papel y expresar a través de un dibujo o un escrito vuestros sentimientos, no hay nada mejor que soltar lo que uno lleva dentro y dado que nos quedan días en esta situación que mejor que desahogarnos

Gato eléctrico

A continuación os dejo más imágenes de sus gatetes.

Y como curiosidad se está rodando una película sobre su vida dirigida por Will Sharpe y protagonizada por Benedict Cunberbatch y Claire Foi.

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Casa junto a la vía del tren, Edward Hopper.

Son días de encierro, de cuarentena, de responsabilidad, llamémoslo como cada uno quiera y que mejor manera de utilizar el tiempo que hablando de arte. En este caso de un pensamiento que me rondaba la cabeza desde hace días, el gran Edward Hopper, pintor estadounidense que sabe expresar como nadie la soledad y la melancolía en sus obras, sentimientos que podemos estar profesando en estos momentos. Cabe destacar, como en otros muchos artistas, que su obra no fue valorada por la crítica y hubo de trabajar como ilustrados para ganarse la vida. Hoy nos parece impensable que uno de los principales representantes del realismo del siglo XX, cuyas obras inspiraron nada menos que a Alfred Hitchcock, no obtuviese el valor que se merecía, pero como siempre digo si a Van Gogh le pasó que no les pasó a los demás. Y es precisamente de una de esas obras en las que me voy a centrar, en la que inspiró la casa de la madre de Norman Bates en Psicosis de 1960.

Pongámonos en situación, Hopper es un adelantado que nos muestra la América rural y solitaria, lo que aquí entendemos como la España vaciada, y es que sucedió lo mismo que en el resto de los países con la llegada de la industrialización, todos salen del campo para ir a trabajar a las ciudades, a las fábricas, a la modernidad, las mansiones victorianas quedan abandonadas y es esta soledad y abandono lo que Hopper nos quiere mostrar, a través de un tratamiento cinematográfico, sus obras pueden ser el fotograma, el instante concreto de una película. Mirando muchas de ellas parece que en cualquier momento se producirá un movimiento, los personajes interactuaran, una luz se encenderá… como si de una película se tratase.

Su técnica se basa en la utilización de la luz, denota un efecto dramático a través de los contrastes de luces y sombras, expresándonos la ya mencionada soledad característica de sus obras, los personajes solitarios, de mirada perdida con los que en ciertos momentos nos identificamos son otra gran representación. Sus escenas son como si nos coláramos en la estancia, una visión que aprendió de Degas en su estancia en Europa. Pintó paisajes sin embargo son sus obras de interiores, de ciudades, de bares, oficinas lo que realmente han conmovido al público general.

Casa junto a las vías del tren, 1925. Museum of modern Art, Nueva York

Centrémonos en una, en “Casa junto a la vía del tren” (House by the railroad) 1925, se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Fue uno de los primeros trabajos que realizó tras su llegada de Europa, donde pasó su juventud. Está cargada de simbolismo por un lado la casa victoriana que en su momento debió ser un ejemplo de poder y riqueza, ahora solitaria y abandonada, pero que aún conserva su orgullo, las luces y las sombras nos inspiran una inquietud, un suspense algo que no nos deja indiferente, frente a ella la vía del tren, la modernidad que la ha arrebatado el esplendor que antaño tuvo y que sirve de barrera para no poder acceder a la casa. Todo bañado por el atardecer, el ocaso no solo del sol sino también de una época pasada y enmarcado en un paisaje vacío. Una lucha entre la tradición y las nuevas posibilidades que nos ofrece el siglo XX.

Comparación de ambas casas Hopper/Hitchcock.

Y fue todo esto lo que vio Alfred Hitchcock, lo que imaginaba cuando pensaba en Psicosis, uno de los grandes clásicos de terror, así pues construyó la visión de Hopper transformándola en la suya propia, dando vida a toda esa melancolía, inquietud y sobre todo suspense. Si comparamos las dos imágenes vemos que son prácticamente exactas, toda la arquitectura, desde los cimientos hasta el tejado, sin saltarnos las ventanas, esa enigmática ventana por la que se puede ver la silueta de la madre de Bates, si no la vemos en esta obra la podemos ver en muchas otras. La casa tenía que estar elevada, al igual que la de Hopper, marcando la superioridad y delante nos encontramos el motel, un edificio bajo que nos hace pensar que esa superioridad no es arquitectónica sino es la de una madre con respecto a su hijo. Pero no solo pensemos en el exterior, el interior también está inspirado de Hopper, como la escalera de la obra “Escaleras” de 1919. Son muchas las similitudes, aunque mientras Hitchcock rodaba la película le costaba admitir su inspiración. Y es que Hopper y Hitchcock no solo están relacionados en esta obra, si observamos atentamente pinturas y películas podemos ver más similitudes o inspiraciones, “Ventanas nocturnas” (Night windows) 1928. Nos recuerda a “La ventana indiscreta” de 1954, vemos similitudes también en “Vértigo” de 1958 y “Rebeca” de 1940. Esta casa no solo inspiró a esta película, también la podemos ver en “Gigante” de George Stevens de 1956. Y es que está claro que Hopper tenía una visión perfecta para inspirar a directores de cine.

Psicosis, 1960

A modo de curiosidad esta casa no fue derribada y puede ser visitada, ya sabes si después de que pasen estos días malos y oscuros que estamos viviendo, viajas a Los Ángeles, pasa por los estudios Universal y rememora algunas de las escenas de la película, pero recuerda que la famosa escena de la ducha no ocurrió en esa casa… y hasta ahí mi destripe, que igual que se que muchísimos sois los que habéis visto este clásico del cine de suspense, sé que otros muchos no lo han hecho, os animo a aprovechar el encierro para poneros al día con este y otros clásico. Y por favor, por ti, por todos #quedateencasa.

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Casa Luelmo

Esta publicación se la debo a una muy buena amiga, en verano estuvimos juntas en este rinconcito de Valladolid, tome unas fotos de noche que son las que podéis ver aquí, he estado preparando estas palabras con cariño y más que en esa visita nos acompañaba un compañero de cuatro patas al que echamos mucho de menos. En aquel momento me comenta que podía escribir sobre este lugar. Y ante una petición así ¿qué puedo hacer? Pues una entrada.

Pero hablemos de este trocito de Valladolid, de una joya que muy posiblemente se escape de la vista de los turistas, no está situada precisamente cerca del centro sino en un barrio aparentemente de nueva construcción. No sé cuánta gente se desplazará para verla, pero tanto la construcción como el entorno merecen el paseo.

Se llama Villa Luelmo por el apellido del propietario, sin embargo es conocida popularmente como Villa Paulita por ser el nombre de la esposa de Rufo Luelmo, propietario de la vivienda que posiblemente intervino en su construcción junto al arquitecto Antonio Ortiz de Urbina. Luelmo era un empresario agrícola que llegó a ser presidente de la Cámara de Comercio de Valladolid.

En el siglo XIX la burguesía adquiere poder económico como ya mencione en una entrada anterior y una de las cosas en que invierte este nuevo poder adquisitivo es en viviendas de recreo, como es este caso. Cabe destacar que este es uno de los primeros ejemplos de modernismo de Valladolid, si modernismo, aquí también llegó el gusto por este estilo y lo apreciamos sobre todo en el alzado y en la decoración como es el zócalo de granito, arcos apuntados en la capilla y la galería de madera.

Su construcción comienza en 1907 y finalizará en 1912 y no se realizará una reforma hasta 1956 cuando se introducirán diversas modernidades, así cómodas el zaguán que es añadido siguiendo el planteamiento de la construcción original.

La planificación de la vivienda está perfectamente estudiada, para acceder se ha de recorrer la alameda teniendo al fondo en todo el trayecto la torre de la vivienda. El conjunto consta de tres plantas, una capilla, un sótano y una torre. La planta del edificio sigue un trazado en forma de cruz, con un eje central en el cual se sitúa la escalera principal. Sin embargo los brazos no son simétricos dado que mientras se realizaba su construcción se añadió la capilla. Consta de dos plantas nobles en altura desde donde se podía contemplar la alameda, para uso de la familia con salones y dormitorios y otra se dependencias como el desván y habitaciones de servicio. Como curiosidad a la capilla tenían acceso los trabajadores.

Obras de restauración: en 1991 fallece Rufo Luelmo, es entonces cuando la casa sufre un abandono que provoca un gran deterioro que culmina con un incendió en 1998. En 2001 se comienza la restauración, llevada a cabo por el arquitecto Antonio Garcés, la dirección General de Patrimonio y Bienes Culturales de la Junta de Castilla y León. En un primer momento se centraron en parar su deterioro y posteriormente devolver la belleza a la construcción manteniendo las formas y el gusto original del que fue dotada por Ortiz de Urbina. La propiedad de la vivienda pasa a manos del Ayuntamiento de Valladolid quién se lo cederá a la Junta de Castilla y León para que la utilice como sede de la Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León. En 2019 entró a formar parte del catálogo de la fundación Docomomo, siglas de Documentación y Conservación del Movimiento Moderno, pasando a ser un bien protegido.

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Seminci

Hemos entrado en una de las semanas más importantes para la ciudad de Valladolid, y es que celebramos el festival de cine Seminci, Semana Internacional de Cine de Valladolid. Este año celebramos la 64ª edición por ello es considerado uno de los festivales más antiguos y consolidados de Europa.

¿Pero cómo surgió en una ciudad como Valladolid un festival de este tipo? Nos trasladamos a 1956 año de su primera edición, en ese momento nace la Semana de cine Religioso de Valladolid, inaugurada el 20 de marzo de ese mismo año. Hay que tener en cuenta que Valladolid tiene un fuerte sentimiento religioso que puede verse reflejado en nuestra Semana Santa, lo que se quiso hacer es unir ese sentimiento con el séptimo arte y así transmitir los valores morales católicos. Esta idea duro cuatro años, ¿porqué? pues la razón es simple no había suficientes películas con una temática religiosa como para llenar un festival, por ello se decidió ampliarlo con el concepto de «Los valores Humanos» pasando a ser la Semana Internacional de Cine Religioso y de Valores Humanos.

La SEMINCI propiamente dicha, tal y como hoy la conocemos, nace en 1973, cuando se decide eliminar el concepto religioso ampliando las miras, según me han comentado en la organización de la Seminci hay dos motivos fundamentales para esta decisión, la posibilidad de que hubiera más cantidad de películas participando y por otro lado se dieron cuenta que los productores reservaban sus obras para nuestro festival. Y de esta manera año tras año grandes personalidades del cine acuden a esta cita obligatoria.

LA ESPIGA

El premio, que como no podía ser de otra manera en Valladolid es una espiga, es el premio que se otorga al ganador de a Sección Oficial, grandes personalidades lo han conseguido, más adelante menciono algunos. Este premio realmente sustituye al anterior el Lábaro y Dom Bosco. Como en el primer año de su creación en realidad no era un concurso no se entregó ningún premio, fue en 1958 cuando se decidió entregar dos premios uno de oro para la película ganadora y otro de plata para la finalista, Dom Bosco. Al año siguiente fue sustituido por el Lábaro, sustituido a su vez por el Premio Ciudad de Valladolid, parece todo un poco rocambolesco, cada año cambiar de premio, pero hay que pensar que el festival era nuevo y se iba puliendo festival tras festival. Será en 1960 cuando se toma la Espiga como galardón, conviviendo con los premios anteriores hasta 1974 y a mayores el premio Fipresci otorgado por la Federación Internacional de Prensa Cinematográfica .

Lábaro

Otros premios

No es sólo la Espiga de oro o de plata, la Seminci otorga otros premios que se han ido añadiendo con el paso del tiempo, como mejor actor y mejor actriz, mejor guión, este es un poco más especial se conoce como el premio Miguel Delibes en homenaje al escritor vallisoletano. También, más modernos, son el premio a la Diversidad Cultural, el premio del Público, un premio muy interesante dado que lo votan los espectadores, el Premio al Mejor Cortometraje Europeo, Premio a la Mejor Música, el Premio ‘La noche del Corto Español’. Y para integrar a todos y acercar la Seminci a los jovenes se crearon dos secciones Miniminci y Seminci Joven. Cabe destacar que si eres menor de 30 años puedes participar como jurado joven a través del  Consejo Local de la Juventud de Valladolid , yo lo hice en 2013 y fue una gran experiencia.

Secciones:

La primera es la Sección oficial que ofrece una visión del cine mundial. La siguiente es Punto de encuentro películas independientes y comprometidas, según la propia Seminci es una muestra paralela de carácter competitivo que reúne primeros o segundos films de ficción que posean un especial relieve por su valía temática o estilística. Tiempo de historia dedicada a los documentales. DOC España son documentales esoañoles. Castilla y León en largo, películas y documentales realizados por directores castellano-leoneses o rodados en Castilla y León que no participan en concurso. Castilla y León en corto al igual que en largo directores castellano-leoneses o rodados en Castilla y Leon. Seminci Joven para jóvenes de 12 a 18 años. Miniminci para niños de 7 a 12 años. Spanish Cinéma largometrajes españoles estrenados a lo largo del año. ESCAC, muestra la obra de la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC).› Cine y Vino, sección que incluye proyecciones relacionadas con el mundo de vino acompañadas por conciertos, degustaciones y catas. Cine y Cambio Climático una sección que pretende concienciar sobre los problemas medioambientales. Seminci transmedia nos muestra nuevos lenguajes audiovisuales

¿Y quién ha ganado la Espiga?

Personalidades tanto nacionales como internacionales, Woody Allen en 2008, Angela Molina en 2012, Juliette Binoche en 2015 Géraldine Chaplin en en 2016, Juan Andonio en 2018.

Este año el galardón de Honor será para Alejandro Amenabar

¿Y qué decimos del cartel? Cada año uno diferente, este año el autor ha sido Toni Pontí y lleva por título Firma de autor.

En las propias palabras del autor «hablar de autoría, identidad y cine, entendido aquí como séptimo arte, y del festival como cine de autor… Una S protagonista construida a partir de manchas de pintura de múltiples colores con un estilo influenciado por el expresionismo abstracto. Una S manuscrita con diferentes firmas de diferentes autores de diferentes razas y colores que construyen una única rúbrica, en este caso la de la Seminci»

Pero sin duda alguna si pensamos en la Seminci nos viene a la memoria esa imagen de un beso, unos labios rojos, en realidad es el cartel oficial del año 1984 obra de Manuel Sierra con el nombre de «El beso celuloide» que marca un antes y un después además de convertirse en la imagen oficial del festival muestra un cambio de mentalidad rompiendo con la imagen conservadora que hasta ese momento tenía. En 2010 se actualiza el logotipo pero esos labios siguen dejando su huella

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Leyenda de Trento

Esta es una de esas cosas curiosas que te encuentras cuando vas de viaje, visitando Trento pude ver un patrimonio y una historia que no te deja indiferente, sin embargo llamó mi atención esta fuente con un águila de piedra, está situada en la Piazza del Duomo, a un lado, podría pasar perfectamente desapercibida si no fuera porque ese es el punto perfecto para hacerte una foto con la Catedral de fondo. Me quedé mirándolo en lo que se despejada la plaza para hacer la foto de rigor, puede que fuera algo o puede que no fuera nada pero yo le hice unas fotos y después, en la típica tienda de souvenirs se me ocurrió preguntar por la fuente, el hombre muy amable me dijo que se llama «la fontana del Aquila» y que tiene una leyenda curiosa que aquí os voy a contar, en realidad tiene dos versiones, cada cual que elija la que prefiera.

Águila de San Wenceslao

La primera nos habla de un hombre, Gian Giorgio Scanda y un águila, ambos forjaron una gran amistad de la cual la mujer de Scanda estaba muy celosa, lo que provocaba violentas peleas que acabaron con la muerte de ella, Gian fue llevado a prisión por el asesinato, una noche recibió la visita del Águila quien le prometió que quedaría en libertad si no juraba en falso, y así lo hizo, declaró la verdad, sin embargo el hombre fue condenado a la horca en la propia Piazza del Duomo, enfurecido por creerse engañado por el Águila juro su inocencia y acuso al águila de la muerte de su esposa, maldiciendo: «y si miento que el águila se convierta en piedra» el águila, que estaba volando alrededorse se posó en un pilar y se convirtió en piedra y el hombre fue ejecutado.


En la segunda versión de la leyenda un joven condenado injustamente a muerte en la Piazza del Duomo vio un águila dando vueltas en el cielo, lo miró y gritó «que el águila se convierta en piedra si soy inocente» en ese momento el águila se posó sobre la columna convirtiéndose en piedra.

Dos versiones distintas pero con el mismo resultado, un águila petrificado, cabe destacar que el águila es el emblema de esta ciudad, es el Águila de san Wenceslao,

Indagando un poco pude reunir ciertos datos sobre la fuente, es obra de Leonardi y Stefano Varner y fechada en 1850. En mi opinión (y es solo una opinión) me gusta más la idea de las leyendas que el hecho de que sea obra de un escultor, por otro lado es una espléndida talla.

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Dublín Irlanda Leech Pintura Sin categoría SXX

The Sunshade

The sunshade, Leech

Hace unos días me vino a la memoria este cuadro viendo fotos de viajes, ¿Porqué este cuadro? cuando viajo a una ciudad me parece visita obligada acudir a sus museos y tengo que reconocer que me gusta hacerlo con gente que en un principio no están interesados en «ver cuadros», mi cámara está llena de fotografías de mis acompañantes mientras disfrutan de una obra, cuando algo les llama la atención. Yo suelo pararme en todo, fijarme en detalles, comparto datos que creo que hacen la visita más interesante, pero luego hay un momento en que esa persona poco interesada en el arte se para en seco delante de una obra, la mira, la observa, me llama para que me acerque y empieza a hablar de todo lo que le pasa por la cabeza, un punto de vista distinto, ese momento es uno de los mejores cuando visito un museo. Es lo que ocurre con esta obra «The sunshade» no es la más conocida del artista, de hecho en la guía del museo no aparece. Hace un año estuve en Dublín, mi primera visita a Irlanda y espero que no la ultima, me encantó y la recomiendo. Y cómo no, visita obligada a la National Gallery, es allí donde se encuentra esta obra, su autor William John Leech (1881-1968) pintada en 1913, mi acompañante se quedó fascinado con el color, esa paleta cromática que a simple vista parece limitada, el rostro de la mujer, que a él le decía tantas cosas… es por eso por lo que hoy la muestro aquí a ver si a más personas le provoca esas sensaciones.

Leech toma como modelo a su esposa Elizabeth, la luz del sol irrumpe con fuerza desde la izquierda de la pintura resaltando los finos rasgos del rostro y las manos de la mujer, vestida a la moda de la época, utiliza el amarillo cadmio de la chaqueta de punto, pintado en un empaste espeso para crear textura, vibra contra el verde viridiano de la sombrilla, que proyecta sombras del mismo color sobre los hombros de la modelo. Al fondo pueden verse tallos altos de lirios, este escenario puede ser el jardín de Concarneau, donde Leech pintó su famoso cuadro «A Convent Garden Brittany», tanto el atrevido color como los parches de luz son característicos del estilo postimpresionista de Leech.

Hablemos un poco de William Jonh Leech, nació en Dublín en 1881, estudió en la Royal Hibernian Academy con Walter Osborne. En 1903, se traslada a París, donde se enamorará del paisaje francés y permanecerá hasta 1917, allí conocerá a Elisabeth Saurin, una joven pintora con un estilo artístico afín al suyo, con quien contrae matrimonio y a quien toma como modelo para esta pintura, sin embargo su matrimonio sólo durará dos años. Leech vivirá principalmente en Concarneau en Bretaña, pero visita Dublín con regularidad y continua exhibiendo anualmente en la Royal Hibernian Academy, quien lo eligió como miembro de pleno derecho en 1910. Su pintura fue ganando prestigio en París, donde le otorgaron la medalla de bronce en El Salón de 1914. En 1918, Leech sirvió por un tiempo en el ejercito en Francia a causa de la Primera Guerra Mundial, pero esta experiencia lo dejó sumido en una depresión. Sin embargo, continuó pintando y exhibiendo sus obras durante los años 20 y 30. Ya en los años 40 realizará diferentes exposiciones individuales en la Galería Dawson en Dublín, a pesar de todo el reconocimiento por sus obras a lo largo de su vida, Leech tuvo problemas financieros, se dice que llegó a hacer sus propios marcos para ahorrar dinero.

En cuanto a su estilo su trabajo muestra una influencia tanto por pintores impresionistas como Monet o Cézanne como por pintores postimpresionistas como Matisse y Van Gogh, debido a su estancia en París, pero también debido a la influencia de Walter Osborne, pintor de paisaje impresionista con quien entra en contacto en la Royal Hibernian Academy.

Autorretrato de William Jonh Leech

Y gracias a este recuerdo dejo pendiente dedicar unas líneas a Elisabeth, que cómo ya he dicho también fue artista y he descubierto cosas muy interesantes sobre ella.





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Arquitectura Estados Unidos Patrimonio SXX Unesco Wright

Patrimonio de la Humnidad, Frank Lloyd Wright.

El 7 de julio ha tenido lugar en Bakú, Acerbaiyan, la 43ª reunión de la Unesco sobre el patrimonio mundial, incluyendo en esta ocasión ocho obras de Frank LLoyd Wright (1867-1959) a la lista de Patrimonio Mundial, todas ellas situadas en Estados Unidos.

¿Y porqué tal galardón? Por su contribución al mundo de la arquitectura. Una de sus grandes aportaciones fue la importancia que otorgó a las estancias de la casa y no a la fachada, adaptándolas a las necesidades de su propietario, desechando no sólo la ornamentación exterior, sino todas las directrices implantadas sobre arquitectura, en particular la imposición tradicional de una perfecta simetría.

Hay especialistas que le consideran más un ingeniero que un arquitecto (artista) de hecho fue estudiante de ingeniería en la Universidad de Wisconsin, carrera que abandonó después de dos años. Sin embargo él acuñó el término «Arquitectura orgánica» basada en la búsqueda de la funcionalidad, en satisfacer las necesidades del ser humano, una armonía equilibrada, de este modo la casa es considerada un organismo vivo cuyas partes están relacionadas entre si.

Las obras incluidas son:

Fallingwater (Mill Run, Pensilvania) 1936-1939 sobre la cascada del río Bear Run se sitúa esta edificación, la cual es un claro ejemplo de arquitectura orgánica, simboliza la armonía entre las personas y la naturaleza, se integra a la perfección en el terreno, esto se puede apreciar en la cimentación que utiliza la propia roca, tanto el edificio, su mobiliario y el paisaje se interrelacionan para crea esta arquitectura orgánica. El diseño a través de grandes terrazas crea la sensación de estar suspendida sobre el río. Según Wright «Donde el todo es la parte, como la parte es el todo, donde la naturaleza de los materiales, la naturaleza del propósito, la naturaleza de toda el funcionamiento son todo igual de importante para el resultado final del edificio».

Herbert y Katherine Jacobs House (Madison, Wisconsin) Herbert Jacobs era periodista en el Milwaukee Journal, quería que Wright le diseñara una vivienda para él y su familia. En este caso la preocupación de Wright era el clima cambiante de la zona, dado que puede oscilar ente -10º y 30º dependiendo de la época del año, para cubrir las necesidades de las personas, objetivo fundamental en la arquitectura de Wright, situó la parte principal de la edificación hacia el Este y el dormitorio principal hacia el sur de este modo solventaba los inconvenientes de los cambios climáticos, a esta disposición añadió paredes de madera por su carácter aislante. La estructura de esta edificación es en forma de L, de una sola planta con dos dormitorios lo que provocó que pronto fuera demasiado pequeña para la familia que pocos años después se trasladó.

Museo Guggenheim (Nueva York) 1943- 1959, la fundación Solomon Guggenheim fue creada en 1937, en Nueva York. Wright fue solicitado para este diseño pues era uno de los arquitectos más importantes del momento en Estados Unidos, sin embargo no llegó a ver terminado este gran proyecto dado que el museo fue inaugurado seis meses después de su muerte. Es una estructura original cuyo protagonista principal es una gran rampa en espiral desde la planta baja hasta la parte superior donde se sitúa un tragaluz en la cual se disponen las diferentes salas de exposiciones del museo, es un elemento revolucionario y característico de este museo, desechando el concepto tradicional de salas con obras expuestas, convirtiendo el propio edificio en una obra de arte más incluida en el lenguaje expositivo.

Hollyhock House (Los Ángeles) 1919 y 1921 Wright diseñó esta vivienda para Aline Barnsdall, hija de un empresario del petroleo. en la actualidad se sitúa en el Barnsdall art park. Iba a formar parte de un complejo mayor que incluiria un teatro, sin embargo no se llegó a terminar, desilusionada Barnsdall decició donar a la ciudad la construcción en 1927. La estructura se dispone alrededor de un patio central, los muros están inclinados, para su diseño se inspiró en las construcciones mayas, el material utilizado fue hormigón armado.

Casa Taliesin, Spring Green (Wisconsin) esta es la propia casa de Wright. Esta vivienda tiene una triste historia, en 1914 el chef de Wright asesinó atacando con un hacha a seis personas, entre ellas la amante del arquitecto, posteriormente incendió la vivienda. Este hecho marcó profundamente a Wright. Fue construida evocando las antiguas construcciones autóctonas, el material utilizado es piedra caliza amarilla proveniente de una cantera cercana, se adapta a la forma de la colina, consta de una sol planta toda ella rodeada de grandes ventanal para provechar la luz natural. Tras el incendio, Wright la reconstruyó como Taliesin II.

Casa Taliesin West, (Arizona) 1937. Esta fue la casa de invierno de Wright hasta su muerte en 1959. A la hora de realizar su diseño consideró que Arizona necesitaba su propia arquitectura, la vivienda debía mimetizarse con el paisaje, utilizando como material lo que denominó como «mampostería del desierto» vigas de madera rellenas de hormigón. Dadas las temperaturas y el clima del desierto incluye soluciones diferentes como eliminar techos y cubrir con lonas, aumentar la humedad con dos estanques, muros con cámara de aire para aumentar el aislamiento, se basa en las construcciones autóctonas para inspirarse.

Unity Temple (Oak Park, Chicago) 1909. El propio Wright definió esta obra como «mi joya». Es un diseño innovador con líneas cubistas que rompe con la idea de los templos religiosos construidos hasta el momento, En este caso el interés de Wright era la funcionalidad para el servicio religioso, se encargó del diseño de todos los elementos, no solo arquitectónico sino mobiliario, vidrieras etc. Este edificio secular incluye una sala de reuniones, balcones utilizados como aulas abiertas y otras salas especiales. Al igual que la arquitectura residencial de Wright, esta iglesia tiene como eje central la chimenea. Muchos arquitectos lo consideran el primer edificio moderno del mundo.

 

Frederick C. Robie House (Chicago) 1910. Obra cumbre del denominado «Prairie style» o casa pradera. La vivienda se estructura a través de la gran chimenea, alrededor de la cual se disponen las habitaciones, esta forma de disponer los elementos será muy utilizada en sus diseños. En este caso fue el propio Robie quien dio ciertas directrices de como quería que fuese su casa, estancias amplias y luminosa, sin recarga ornamental, utilizando el ladrillo como material principal. En 1957 esta casa no estaba valorada como ahora, de hecho hubo un intento de demolerla ese año.

Estas edificaciones ofrecen soluciones innovadoras a las necesidades de las personas, Según la Unesco «Este Bien cultural consta de ocho edificios en Estados Unidos diseñados por el arquitecto durante la primera mitad del siglo XX. Estos incluyen Fallingwater (Mill Run, Pensilvania), Herbert y Katherine Jacobs House (Madison, Wisconsin) y el Museo Guggenheim (Nueva York). Estos edificios reflejan la «arquitectura orgánica» desarrollada por Wright, que incluye un plano abierto, un desenfoque de los límites entre el exterior y el interior y el uso sin precedentes de materiales como el acero y el hormigón. Cada uno de estos edificios ofrece soluciones innovadoras a las necesidades de vivienda, culto, trabajo u ocio. El trabajo de Wright de este período tuvo un fuerte impacto en el desarrollo de la arquitectura moderna en Europa.» Aunque desde un primer momento causó furor en Europa en Estados Unidos no todos acabaron de comprender su genuinidad.

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Arquitectura Milan Siglo XIX Sin categoría Valladolid

Galería comercial

Hace unos meses visité la ciudad de Milán en la semana del diseño, que decir de ella, es una ciudad que hay que visitar, aunque se abra el cielo y llueva a mares, como me paso a mi, la espera en la cola para entrar en el Duomo fue bastante interesante. Estando allí pude ver la galería de Vitrorio Enmanuel II (1865) una obra impresionante donde hoy en día se ha llenado de tiendas de grandes marcas.

Cuando vas a otra ciudad no puedes evitar pensar en lo que tienes en la tuya, ¿aquí es cuando llega el momento de comparar Milán con Valladolid? Claro que no, pero si de enseñar un trocito de mi ciudad, pues nosotros también tenemos una galería comercial «El Pasaje Gutiérrez» situado en el centro de la ciudad, a simple vista incluso puede pasar desapercibido, pero una vez que entras te maravillas de su interior. En España solo hay otros dos ejemplos de galerías comerciales como esta, el «pasaje Ciclón» en Zaragoza y el «pasaje Lodares» en Albacete.

Este tipo de pasajes comerciales surgen en el siglo XIX, impulsados por la burguesía, una galería cubierta donde poder resguardarte del frío, la lluvia, el calor… donde no ensucias tus vestidos con el barro y polvo de la ciudad, donde acudir a hacer compras, disfrutar de un café y sobre todo dejarse ver, llegando a convertirse en un espacio imprescindible para la burguesía. Siempre decoradas con suntuosidad

Un poco de historia de Valladolid

A mediados del siglo XIX la ciudad de Valladolid está disfrutando de un progreso económico y cultural, gracias al cual empieza a surgir la necesidad de construir lugares de recreo para la burguesía. Su nombre viene dado por Eusebio Gutiérrez, impulsor de su construcción. En 1885 Gutierrez contrató los servicios de Jerónimo Ortiz de Urbina, quien realizó la obra en tan sólo un año. La intención es unir dos enclaves del centro de la ciudad, la catedral y la plaza Mayor. En él Ortiz utiliza las técnicas y materiales más modernos como son las cubiertas de hierro, bóvedas y cúpula de cristal y las lámparas de gas.

En planta consta de dos tramos unidos por una rotonda central , con una ligera desviación. En alzado son dos alturas, el nivel inferior proyectado para comercios y cafés, un espacio público, el superior por el contrario es el espacio privado destinado a viviendas cuyas ventanas se abren hacia el pasaje. El tema decorativo es fundamental, se estructura a través de pilastras de orden gigante de las cuales arrancan los arcos que sustentan la cubierta de cristal, realizada en la Real Fábrica de cristales de la Granja de san Ildefonso en Segovia. En las dos entradas tenemos, antes de arrancar la cubierta de cristal, techos con decoración de alegorías, el comercio y la agricultura, obra de Salvador Seijas, no es pintura mural sino obras pintadas en lienzos de estilo tardobarroco y cánones academicistas, a este tipo de pintura se la conoce como veneciana.

El elemento principal del Pasaje Gutierrez es la rotonda, presidida por una escultura de Mercurio, dios del comercio copia de la obra de Juan de Bolonia, se le representa iniciando el vuelo, sobre un sólo pie impulsado por el viento, en su mano porta una lámpara que enmarca el ambiente. A su alrededor, en el vértice de las paredes se disponen las alegorías de las cuatro estaciones como cuatro mujeres con los atributos correspondientes, de estilo clasicista, utiliza la técnica de los paños mojados para mostrar la figura femenina. El resto de la decoración son yeserías en forma de mascarones y rosetas policromadas y doradas.

Trás su inauguración se publicó un suplemento especial en el periódico El Norte de Castilla con la siguiente afirmación “No le hay igual en otra capital de España y es bastante mejor que otros muchos con que cuentan en el extranjero”.

Hoy en día está incluído en la ruta «Rios de luz» una ruta turística nocturna que recorre los principales monumentos de la ciudad y que ha obtenido el premio City. People. Light.

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Un espacio de expresión y pensamiento

El Arte o te apasiona o te horroriza pero nunca te deja indiferente.

Leonardo Da Vinci

Esta es una frase que me persigue desde que empecé a leer sobre arte, digo leer y no amar porque he amado el arte desde que era niña. Esta reflexión se queda grabada por la simple razón de que es cierta, es imposible estar indiferente delante de una obra de arte, puedes amarla con pasión o puede que sólo un poquito, al igual que puedes detestarla con mayor o menor intensidad. Pero todos tenemos algo que decir, que opinar, da igual si tienes más o menos conocimientos, el gusto es propio.

En este blog quiero plasmar todo aquello que llevo dentro, desde las grandes obras que todos conocemos, hasta las más pequeñas curiosidades que pasan desapercibidas.

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