Ahora que seguimos viviendo esta pandemia y que las vacunas están llegando a toda la población no puedo dejar de pensar en los conejillos de indias y las ratas de laboratorio, en los experimentos que se llevan a cabo con todo tipo de animales y, al pensar en ellos, me viene a la mente un curioso monumento ruso dedicado precisamente a los ratones de laboratorio.
La escultura se encuentra en el Instituto de Citología y Genética de Novosibirsk, Rusia, se inauguró el 1 de julio de 2013 coincidiendo con el 120 aniversario de la ciudad. Nos muestra a un ratón gigante con unas gafitas en la nariz que está tejiendo con dos agujas de punto una cadena de ADN, y no se porque siempre que pienso en cadena de ADN me acuerdo de Jurassic Park… Esta escultura es un homenaje, incluso va más allá, un símbolo de agradecimiento a todos los animales a los que se les han hecho todo tipo de crueldades en favor de la ciencia.
La escultura del ratón mide unos 70 centímetros pero si contamos el pedestal la altura total son 2 metros y medio. Por lo que llama la atención como este instituto ruso ha puesto en valor la vida de estos animales.
El diseño es obra de Andrew Kharkevich y comenta de su escultura que “Combina la imagen de un ratón de laboratorio y un científico. Se captura al ratón en el momento del descubrimiento científico. Si se le mira a los ojos, puede verse que este pequeño ratón ha conseguido algo. Pero la sinfonía completa de los descubrimientos científicos, la alegría, ‘Eureka’ todavía no se han manifestado.” pero el escultor es Alexei Agrikolyansky, quien confiesa la dificultad de otorgar rasgos humanos a un ratón.
La representación es un poco caricaturesca, como un dibujo animado, lejos de la imagen real de un ratón, lo que hace que se enternezca un poquito más el corazón al ver a este ratón científico que, a mi por lo menos, me parece que tiene cierta edad y más aún si me fijo en esa toquilla con la que se cubre. Parece ser él quien realiza el descubrimiento sobre genética, es una cara amable de lo que ha ocurrido en el interior de ese instituto. Sin embargo creo, y esta es mi opinión, que es muy loable por parte de esta entidad reconocer la importancia de estos pequeños seres en la carrera científica.
Y si alguien quiere acercarse, ahora que podemos salir de nuestra comunidad, os dejo el enlace de la ubicación.
Hoy hace dos años de aquel trágico día, dos años y todavía cuando veo caer tu aguja mi corazón se encoge. El día anterior yo había tenido la suerte de visitar otra gran joya del arte, El Duomo de Milán, el último domingo de Ramos prepandemia disfrute de cada rincón de arte. Puede que pienses que no tiene nada que ver Italia con Francia, Milán con París, pero yo regresaba fascinada con cada rincón grabado en mi retina, publicando, enviando y enseñando esta maravilla de la arquitectura cuando por la tarde empecé a ver imágenes de la gran Notre Dame en llamas, yo todavía sentía la majestuosidad de Milán, la euforia de haberla visitado y creo que por eso me afectó tanto ver como uno de mis amores en el mundo del arte desaparecía, por suerte no todo se perdió, pero en aquel instante todos creíamos que estaba perdida. Por Notre Dame, por París un día decidí aprender su idioma y gracias a ello conocer a grandes personas a las que hoy llamo amigas.
Notre Dame tiene muchas caras, la primera que recuerdo no puede ser otra que la de su Quasimodo, Esmeralda y sus gárgolas, en la versión disney por supuesto.
Estamos de estreno en Valladolid, desde el 24 de octubre podemos disfrutar de un conjunto escultórico del artista Cristóbal Gabarrón. Creado para conmemorar el Setenta aniversario de las Naciones Unidas. Es una instalación itinerante, inaugurada en Nueva York en 2015 y desde entonces ha viajado por diversas ciudades, este año ha hecho escala aquí, en Valladolid. Que esté destinada a viajar con un propósito tan importante como los Derechos Humanos me recuerda a otra obra con intenciones semejantes… El Guernica de Picasso.
Universo de Luz, ¿Dónde, cuando, porqué? y sobre todo ¿Hasta cuando? bueno, lo han situado en la plaza de san Pablo, un lugar emblemático de la ciudad, pues tenemos la propia iglesia de san Pablo, el palacio Pimentel, el Museo Nacional de Escultura colegio san Gregorio, el palacio Real y presidiendo por supuesto, la escultura de Felipe II. Cristóbal Gabarrón creó esta obra para conmemorar el 70 aniversario de creación de las Naciones Unidas ONU. La primera instalación fue inaugurada en el mítico Central Park de Nueva York, el 24 de octubre de 2015. El propósito de este conjunto escultórico es viajar por todos los países, cada año ser instalada en una ciudad diferente, como digo comenzó en Nueva York, en 2016 se instaló en la Rotonde du Mont-Blanc en Ginebra, Suiza. En 2017, en Gershwin Plain, Ámsterdam, Países Bajos. En 2018, en Rond-Point Schuman, Bruselas, Bélgica. Se inaugura los 24 de octubre por ser el día de las Naciones Unidas y lo enlazamos con el 10 de diciembre, el día de los Derechos Humanos. Estamos en 2020 un año especial y no solo por lo terrible que está resultando, sino por que es el 75 aniversario de las Naciones Unidas y se ha elegido Valladolid para su instalación, hasta el 10 de enero podremos disfrutarlo.
Foto obtenida de «Diario de Valladolid»
Y ¿Qué significa todo esto? según la propia Fundación, el Universo Iluminado es poderoso por sus dimensiones y belleza y por el mensaje que yace detrás de él. En palabras del escultor «Quiere expresar que sólo juntos tendremos un mundo mejor y más justo en el futuro». Tiene un significado especial, lo fundamental es entender que no solo hay que verlo sino participar, es una obra de arte interactiva e inclusiva, recorres el camino entre esculturas de personas que se dan la mano, todas diferentes, hasta llegar a una espectacular esfera de seis metros de cristales triangulares en los que te reflejas, esa esfera es nuestro mundo y tu te reflejas en ella porque formas parte de él, te conviertes en un eslabón más de esa cadena humana, la palabra clave, Empatía. Gabarrón explica así la obra «El mensaje es el de las Naciones Unidas. Tenemos que tomarnos de las manos y defender los Derechos Humanos para construir un mundo mejor» inicialmente se concibió con setenta figuras, este año por ser el 75 aniversario se han incluido cinco más, 75 figuras-75 años.
Hay un significado más especial todavía, a parte de todo lo que el artista ha querido representar, el lugar, la ciudad, tiene mucha relación con los Derechos Humanos, no olvidemos que entre 1550 y 1551 en el colegio san Gregorio, actual Museo Nacional de Escultura, tuvo logar la denominada «Controversia de Valladolid» donde por primera vez se debatió de los derechos de los indígenas en la conquista de América, como mayor defensor, Bartolomé de las Casas. Gracias a esta «Controversia» se modificaron las leyes indias, y se regularon las conquistas, ¿Cómo? primero solo se permitía adentrarse en terrenos sin explorar a los religiosos, y hasta que no se llegaran a acuerdos con la población indígena no se podían crear asentamientos y nada que decir que los soldados no podían avanzar. Todo esto quedó plasmado también en «Las ordenanzas de Felipe II». Un primer intento para otorgar los mismos derechos a todos los humanos.
Espero que ahora que he explicado un poco más su significado, podáis apreciar lo fabuloso que es este conjunto escultórico, con su gran carga simbólica, puede que otro año la podamos contemplar en otra ciudad, pero tal y como la vemos hoy será imposible, por eso os animo, con ojos nuevos, contemplar como el Arte se pone al servicio de los Derechos Humanos.
Estamos de cumpleaños, no el mío claro, si no el de Alfons Mucha, le dedico unas palabras pues he tomado la imagen “Música” de su serie de “Las Artes” como imagen principal tanto de este blog como de mis redes sociales. Voy a contar un poco su vida y su obra.
Es considerado el máximo exponente del Art Nouveau, no sólo fue pintor sino artista decorativo, pero donde realmente destaca es en un sector novedoso, la publicidad, es ahí en el cual logró sus grandes triunfos, todo anunciante solicitaba por sus servicios, incluso la actriz Sarah Bernhardt llegó a ofrecerle un contrato de exclusividad por seis años para que la representara en sus obras. De esa manera sus imágenes son mundialmente conocidas, no solo en museos, sino siendo símbolos de distintos productos, hoy en día sigue siendo considerado referente de la evolución del cartel comercial.
Cartel de Gismonda, Sarah Bernhardt, 1894
Sus obras se caracterizan por las figuras femeninas estilizadas, de largas melenas, líneas sinuosas, flores, decorados recargados y arabescos, con gran influencia bizantina características en sus elementos decorativos, en lo referente al color vemos una influencia del Prerafaelismo y el mundo medieval.
Nace el 24 de Julio de 1860 en Invancice, Moravia, una de las tres regiones de la República Checa. En 1879 viajará a Viena donde trabajará como pintor de decorados teatrales hasta 1885, cuando comenzará sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Munich, gracias al mecenazgo del conde Khuen-Belassi, para el que había trabajado dos años antes en la decoración del palacio Emmahof. De ahí marchará a París para estudiar en la Academie Julian. En 1892 recibe el encargo de ilustrar la obra “Scenes et episodes de l´histoire d´Allemagne” de Charles Seignobos, en los que ya se pueden ver sus principales características como mujeres bellas con cabelleras sueltas, arabescos, colores, etc. Su primer gran éxito y reconocimiento llega en 1894 cuando realiza su primer cartel para Sarah Bernhardt, es en este momento cuando le ofrece el contrato en exclusividad por seis años. Tres años después celebrará su primera exposición individual en la galería Bodiniere de París en la que exhibe 107 obras, ese mismo año también realiza otra exposición en el Salon des Cent con 448 obras, posteriormente exhibirá en Praga en el Salón Topic. Su éxito seguirá aumentando hasta 1899 cuando el gobierno austrohúngaro le invita a participar en la Exposición Univerdal de París de 1900. Entre 1906 y 1910 se dedicará a impartir clases en América. A su regreso a Praga culminará la decoración del Salón del alcalde de la Casa Municipal que será la última gran obra realizada en estilo modernista de la ciudad. Entre otras obras diseñará sellos de correos y billetes para la recién nacida Checoslovaquia, 1918. Seguirá trabajando en la “Epopeya eslava” hasta 1928 cuando toma la decisión de entregarla tanto a la ciudad de Praga como a su pueblo. Una de sus últimas obras la realizará en la catedral de Praga, diseñando las vidrieras. Tras la invasión alemana de Checoslovaquia, Mucha es una de las primeras personas detenidas por la Gestapo. Se le permite regresar a su casa, pero su salud empeora rápidamente y muere en Praga el 14 de julio de 1939. Su tumba se encuentra en el cementerio de Vyšehrad.
En 1898 realiza la serie «Las Artes» dedicada a los cuatro géneros artísticos, fue impresa en vitela en una edición de 1000 copias, con 50 copias adicionales de edición limitada impresas en satén. En ella deliberadamente evitó la utilización de sus tradicionales atributos, tales como la pluma de ganso, los instrumentos musicales o los utensilios de dibujante. Del mismo modo nos incluye la naturaleza en el fondo, dotando a cada arte un momento del día. La mañana para la Danza, mediodía para la pintura, la tarde para la Poesía y la noche para la Música.
Epopeya Eslava es considerada una de las siete maravillas checa, Mucha quiso reflejar la historia de la nación eslava, una historia milenaria desde su origen basado en la mitología hasta la liberación del siglo XIX, se compone de 20 lienzos pintados a lo largo de 18 años.
Epopeya Eslava
Epopeya Eslava
Epopeya eslava
Epopeya Eslava
Epopeya Eslava
Y porqué esta imagen, por una “mala” costumbre de una persona importante en mi vida, esa mala costumbre que agradezco desde aquí. Y es que cuando esta persona viaja, siempre me trae libros sobre arte de cada ciudad que visita, empezó con Nueva York allá por el 2005, luego Petra, Londres, Tel Aviv, y por supuesto Praga y fue con ese libro cuando yo redescubrí a este gran artista, sus obras, su arte. Quedando grabada la imagen concreta de “la Música” esa mujer que intenta escuchar, de larga melena morena y que a la hora de abrir este blog no lo dude, ella sería mi imagen. Por cierto esa persona no es otra que mi hermano.
Hoy es primero de mayo, aunque no sepamos en que día vivimos a causa del confinamiento, hoy es festivo y debe ser conmemorado, aunque las manifestaciones no sean posibles por culpa del (maldito) Covid -19. Hay que recordar, siempre lo digo, conocer la historia y a quienes llevaron a cabo actos que hoy en día no valoramos, las cosas que nos parecen normales no lo eran hace poco más 100 años. ¿A qué me refiero? En este caso a trabajar 8 horas por ejemplo, aunque el trabajo está como está, en 1886 en las fábricas se trabajaban jornadas de 12 horas, hombres, pero también mujeres, niños y ancianos, si tenías 5 años ya podías trabajar. Sin medidas de seguridad, sin descansos. Hasta que el 1 de mayo de 1886 se comenzó en Chicago una huelga, en aquel momento era la segunda ciudad más poblada de Estados Unidos, estamos hablando de la Revolución industrial, se realizó para exigir jornadas laborales de 8 horas, mejoras en las condiciones laborales , seguridad etc. La huelga duró hasta el 4 de mayo cuando los sindicatos convocaron una manifestación en la plaza Haymarket, miles de personas congregadas, los enfrentamientos entre obreros y policía habían comenzado hacía días, y en aquel momento,en aquella plaza un desconocido hizo detonar un artefacto por el cual murió un policía, cinco personas fueron acusadas del hecho, tres periodistas, un tipográfo y un carpintero, fueron condenados a la horca, conocidos a partir de ese momento como “Los mártires de Chicago”.
The Haymarket riot
Naturalmente las cosas no mejoraron, por eso, el 1 de mayo de 1890 se manifestaron los obreros de Estados Unidos, pero esta vez no quedó sólo al otro lado del Atlántico, llegó hasta nosotros, hasta Europa, convirtiéndose en un problema internacional, denominándose “Cuestión social” algunos países, viendo lo que podía suceder, comenzaron a tomar ciertas medidas, hasta la Iglesia tomó cartas en el asunto, ¿os suena San José obrero? El papa del momento, Leon XIII escribió una encíclica sobre las condiciones de los obreros, la primera encíclica social de la Iglesia Católica, y por suerte no la última, 15 de mayo de 1891, “Rerum novarum” en ella exponía la problemática del mundo obrero tal cual es, sin edulcorar, un gran paso para la iglesia que muestra la preocupación del Papa por los trabajadores, por algo se le llamó el “Papa de los obreros” y claro si lo menciona el papa ya no se puede esconder tan fácilmente y menos en países católicos. Aunque no será hasta 1955 cuando se establezca la festividad de San José obrero el 1 de mayo, con Pio XII. Sin embargo los trabajadores no lo tuvieron tan fácil como parece para celebrar su día, en cada país fue diferente, en los primeros años del siglo XX en Europa se produjeron cambios políticos, caídas de monarquias, y por supuesto dos guerras mundiales.
¿Y nosotros? ¿Cómo lo vivieron los padres de nuestros abuelos? Para empezar España es una monarquía, reinaba un joven Alfonso XIII, son los años de la restauración, los obreros salieron a la calle en Madrid a luchar por sus derechos, hubo represión los primeros años, aquí luchábamos por mejoras laborales pero también por las consecuencias de la guerra de Marruecos, lo que provocó más represión, las dictaduras tampoco ayudaron a este movimiento. Hasta que no llegó la Segunda República los trabajadores no tuvieron cierta libertad o derecho a manifestarse y en cuanto llegó el año 36, con la guerra civil, era imposible reivindicar nada, ademas quien tenía ganas de hacer algo en mitad de una guerra, en el bando republicano se podía conmemorar y hubo actos dedicados a ello. Al acabar la guerra todo quedó ilegalizado, el 1 de mayo pasó a convertirse en el 18 de julio día del “Alzamiento nacional”, Franco quiso una fiesta este día para conmemorar la “Exaltación del Trabajo Nacional”. Hasta que en 1955 como ya he mencionado, Pio XII estableció el 1 de mayo como día de San José obrero, con lo cual empezamos a conmemorar ese día, sin manifestaciones por supuesto, solo actos religiosos. A partir de 1978 se pudo comenzar una nueva forma de reivindicar los derechos de los trabajadores que ha llegado hasta nuestros días. Por suerte, desde aquella primera huelga hasta hoy las cosas han cambiado considerablemente. Este es el primer año que no nos podemos manifestar, pero si podemos aprender un poco más sobre historia.
Y no solo historia, han sido muchos los artistas que han reflejado en sus obras en mundo obrero. La que siempre me ha llamado la atención es una de Sorolla “Aún dicen que el pescado es caro” 1894, ya solo el título sin ver la imagen nos dice mucho, según el museo Nacional Del Prado: representa un asunto tan sensible a las vivencias de las gentes de su tierra natal, logrando una de las escenas más emocionantes de la pintura española del realismo social de fin de siglo. Recordemos que la pintura de Sorolla está inmersa en el género social.
Aún dicen que el pescado es caro, Joaquín Sorolla
Como comentaba al principio,los niños a partir de cinco años, trabajaban en las fabricas “La nena obrera” de Planella, pintada en 1889, una niña utilizando en un telar, viva imagen del trabajo infantil en una fábrica textil, esta imagen me recuerda a mi abuela, que desde jovencita ella y sus hermanas trabajaban en un telar,me la imagino igual solo que con el pelo negro azabache.
La nena obrera, Planella
En otros países tenemos obras como las de Edward Munch “Obreros en la nieve” de 1913, aquí muestra su sensibilidad a los cambios que están sucediendo en la sociedad, el modelo es una persona real, su propio vecino, trabajador de la construcción.
Obreros en la nieve, Edward Munch
Millet nos muestra muchas escenas de trabajadores en el campo, he elegido “Los sembradores de patatas” de 1861, el artista refleja las condiciones duras en las que vivían los campesinos en Francia.
Los sembradores de patatas, Millet
Las representaciones no son solo en pintura, el siglo XX nos trajo la fotografía, en 1932 fue tomada esta imagen en Nueva York, “Almuerzo en lo alto de un rascacielos” los obreros que construían el Edificio RCA en el Rockefeller Center, es común confundirlo con la construcción del Empire State. Sentados a 260 metros de altura, sin ningún tipo de sujeción, compartiendo la comida, el cigarro o la conversación. Muestra clara de las condiciones laborales en la época de la construcción de los grandes rascacielos que hoy nos fascinan.
En estos días que nos parecen tan duro rondan en mi cabeza artistas que fueron encerrados por causa de fuerza mayor, ellos no pudieron elegir, por motivos que se escapaban a su control tuvieron que pasar años no precisamente en sus casas, es el caso del “Pintor de gatos” las imágenes que os muestro seguro que os suena, ya las habéis visto, son gatitos tiernos graciosos e infantiles que nos alegran el día.
Pero, cómo alguien se dedica a pintar gatos y de esta manera. Ante todo pongámosle nombre, Louis Wain (1860-1936) artista inglés nacido en Clerkenwell, estudió en la West London School of Arts, donde llegó a dar clases. Sin embargo abandonó esta profesión para centrarse en su pintura. En este punto para ganarse la vida comenzó a trabajar como ilustrador en revistas como Illustrated London News. Donde principalmente dibujaba todo tipo de animales.Las caricaturas de gatos llegaron posteriormente, cuando su esposa Emily enfermó de cáncer de mama, débil, Emily siempre sonreía al ver a su gato Peter, algo que entendemos a la perfección todos los que tenemos mascota. Para animar a su esposa comenzó a hacer caricaturas de Peter en actitudes y situaciones divertidas, esto le empezó a reportar cierto éxito centrándose únicamente en sus caricaturas gatunas.
Tabbies in Hyde Park
¿Y cómo son estos gatos? Son figuras antropomorfas, gatos con actitudes humanas y realizando actividades solo propias de los humanos. Al principio eran gatos con cuerpo de animal que, por ejemplo, leían el periódico. Poco a poco se fueron humanizando. Su intención a la hora de realizar las caricaturas pasó de un entretenimiento a caricaturizar la sociedad inglesa del momento. Solía recorrer la ciudad, acudir a los ambientes sociales y dibujar lo que veía, siempre transformando a las personas en gatos, estos dibujos llegaron a gustar tanto que ilustró varios cuentos infantiles, era contratado en ediciones de los más importantes periódicos de la época, así como calendarios, postales etc. El mayor éxito de su carrera llegó cuando publicó su propia revista “Louis Wain Annual” este éxito sin embargo, no pudo ser compartido con Emily, murió antes de poder ver a su marido reconocido por la élite inglesa.
The bachelor party, La fiesta de los solteros
Y que tiene todo esto que ver con hablar de artistas encerrados, pues bien, Louis, tras años de éxitos, comenzó a tener cambios en su carácter, llegando a sufrir alucinaciones y ataques de ansiedad, fue diagnosticado de esquizofrenia, todos estos cambios fue expresándolos en su pintura, si bien continuaba pintando gatos, eran mucho más coloridos y abstractos, dejando a un lado las escenas bucólicas que le hicieron famoso. Llegó a estar tan enfermo que tuvo que ser encerrado en un hospital psiquiátrico, no obstante las condiciones del lugar eran tan lamentables y él era tan querido que H.G Wells contactó con el Primer ministro y consiguió que le trasladaran al Bethem Royal Hospital, donde las instalaciones y las condiciones eran muy superiores, estando dotado de jardín e incluso de una colonia de gatos a los que por supuesto se dedicó a retratar ya no como personas, su arte fue evolucionando hacia la abstracción, realizando combinaciones de líneas, formas caleidoscopicas y colores vivos, nos muestra un impulso creativo, la forma de expresar lo que siente alguien que no tiene otro medio para hacerlo. El punto de vista de una vida que jamas seremos capaces de ver.
A cat in a gothic style
Y así pasó los últimos quince años de su vida, encerrado y pintando, sus amigos, siempre leales, se encargaban de que nunca faltaran gatos en aquel jardín. H.G.Wells afirmó que “Los gatos de Inglaterra que no se parecen a los gatos de Louis Wain se avergüenzan de sí mismos”
Y es que el arte es una vía de escape, una de las mejores maneras de expresarnos, desde aquí os animo a coger un lápiz y un papel y expresar a través de un dibujo o un escrito vuestros sentimientos, no hay nada mejor que soltar lo que uno lleva dentro y dado que nos quedan días en esta situación que mejor que desahogarnos
Gato eléctrico
A continuación os dejo más imágenes de sus gatetes.
Y como curiosidad se está rodando una película sobre su vida dirigida por Will Sharpe y protagonizada por Benedict Cunberbatch y Claire Foi.
Son días de encierro, de cuarentena, de responsabilidad, llamémoslo como cada uno quiera y que mejor manera de utilizar el tiempo que hablando de arte. En este caso de un pensamiento que me rondaba la cabeza desde hace días, el gran Edward Hopper, pintor estadounidense que sabe expresar como nadie la soledad y la melancolía en sus obras, sentimientos que podemos estar profesando en estos momentos. Cabe destacar, como en otros muchos artistas, que su obra no fue valorada por la crítica y hubo de trabajar como ilustrados para ganarse la vida. Hoy nos parece impensable que uno de los principales representantes del realismo del siglo XX, cuyas obras inspiraron nada menos que a Alfred Hitchcock, no obtuviese el valor que se merecía, pero como siempre digo si a Van Gogh le pasó que no les pasó a los demás. Y es precisamente de una de esas obras en las que me voy a centrar, en la que inspiró la casa de la madre de Norman Bates en Psicosis de 1960.
Pongámonos en situación, Hopper es un adelantado que nos muestra la América rural y solitaria, lo que aquí entendemos como la España vaciada, y es que sucedió lo mismo que en el resto de los países con la llegada de la industrialización, todos salen del campo para ir a trabajar a las ciudades, a las fábricas, a la modernidad, las mansiones victorianas quedan abandonadas y es esta soledad y abandono lo que Hopper nos quiere mostrar, a través de un tratamiento cinematográfico, sus obras pueden ser el fotograma, el instante concreto de una película. Mirando muchas de ellas parece que en cualquier momento se producirá un movimiento, los personajes interactuaran, una luz se encenderá… como si de una película se tratase.
Su técnica se basa en la utilización de la luz, denota un efecto dramático a través de los contrastes de luces y sombras, expresándonos la ya mencionada soledad característica de sus obras, los personajes solitarios, de mirada perdida con los que en ciertos momentos nos identificamos son otra gran representación. Sus escenas son como si nos coláramos en la estancia, una visión que aprendió de Degas en su estancia en Europa. Pintó paisajes sin embargo son sus obras de interiores, de ciudades, de bares, oficinas lo que realmente han conmovido al público general.
Casa junto a las vías del tren, 1925. Museum of modern Art, Nueva York
Centrémonos en una, en “Casa junto a la vía del tren” (House by the railroad) 1925, se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Fue uno de los primeros trabajos que realizó tras su llegada de Europa, donde pasó su juventud. Está cargada de simbolismo por un lado la casa victoriana que en su momento debió ser un ejemplo de poder y riqueza, ahora solitaria y abandonada, pero que aún conserva su orgullo, las luces y las sombras nos inspiran una inquietud, un suspense algo que no nos deja indiferente, frente a ella la vía del tren, la modernidad que la ha arrebatado el esplendor que antaño tuvo y que sirve de barrera para no poder acceder a la casa. Todo bañado por el atardecer, el ocaso no solo del sol sino también de una época pasada y enmarcado en un paisaje vacío. Una lucha entre la tradición y las nuevas posibilidades que nos ofrece el siglo XX.
Comparación de ambas casas Hopper/Hitchcock.
Y fue todo esto lo que vio Alfred Hitchcock, lo que imaginaba cuando pensaba en Psicosis, uno de los grandes clásicos de terror, así pues construyó la visión de Hopper transformándola en la suya propia, dando vida a toda esa melancolía, inquietud y sobre todo suspense. Si comparamos las dos imágenes vemos que son prácticamente exactas, toda la arquitectura, desde los cimientos hasta el tejado, sin saltarnos las ventanas, esa enigmática ventana por la que se puede ver la silueta de la madre de Bates, si no la vemos en esta obra la podemos ver en muchas otras. La casa tenía que estar elevada, al igual que la de Hopper, marcando la superioridad y delante nos encontramos el motel, un edificio bajo que nos hace pensar que esa superioridad no es arquitectónica sino es la de una madre con respecto a su hijo. Pero no solo pensemos en el exterior, el interior también está inspirado de Hopper, como la escalera de la obra “Escaleras” de 1919. Son muchas las similitudes, aunque mientras Hitchcock rodaba la película le costaba admitir su inspiración. Y es que Hopper y Hitchcock no solo están relacionados en esta obra, si observamos atentamente pinturas y películas podemos ver más similitudes o inspiraciones, “Ventanas nocturnas” (Night windows) 1928. Nos recuerda a “La ventana indiscreta” de 1954, vemos similitudes también en “Vértigo” de 1958 y “Rebeca” de 1940. Esta casa no solo inspiró a esta película, también la podemos ver en “Gigante” de George Stevens de 1956. Y es que está claro que Hopper tenía una visión perfecta para inspirar a directores de cine.
Psicosis, 1960
A modo de curiosidad esta casa no fue derribada y puede ser visitada, ya sabes si después de que pasen estos días malos y oscuros que estamos viviendo, viajas a Los Ángeles, pasa por los estudios Universal y rememora algunas de las escenas de la película, pero recuerda que la famosa escena de la ducha no ocurrió en esa casa… y hasta ahí mi destripe, que igual que se que muchísimos sois los que habéis visto este clásico del cine de suspense, sé que otros muchos no lo han hecho, os animo a aprovechar el encierro para poneros al día con este y otros clásico. Y por favor, por ti, por todos #quedateencasa.
Esta publicación se la debo a una muy buena amiga, en verano estuvimos juntas en este rinconcito de Valladolid, tome unas fotos de noche que son las que podéis ver aquí, he estado preparando estas palabras con cariño y más que en esa visita nos acompañaba un compañero de cuatro patas al que echamos mucho de menos. En aquel momento me comenta que podía escribir sobre este lugar. Y ante una petición así ¿qué puedo hacer? Pues una entrada.
Pero hablemos de este trocito de Valladolid, de una joya que muy posiblemente se escape de la vista de los turistas, no está situada precisamente cerca del centro sino en un barrio aparentemente de nueva construcción. No sé cuánta gente se desplazará para verla, pero tanto la construcción como el entorno merecen el paseo.
Se llama Villa Luelmo por el apellido del propietario, sin embargo es conocida popularmente como Villa Paulita por ser el nombre de la esposa de Rufo Luelmo, propietario de la vivienda que posiblemente intervino en su construcción junto al arquitecto Antonio Ortiz de Urbina. Luelmo era un empresario agrícola que llegó a ser presidente de la Cámara de Comercio de Valladolid.
En el siglo XIX la burguesía adquiere poder económico como ya mencione en una entrada anterior y una de las cosas en que invierte este nuevo poder adquisitivo es en viviendas de recreo, como es este caso. Cabe destacar que este es uno de los primeros ejemplos de modernismo de Valladolid, si modernismo, aquí también llegó el gusto por este estilo y lo apreciamos sobre todo en el alzado y en la decoración como es el zócalo de granito, arcos apuntados en la capilla y la galería de madera.
Su construcción comienza en 1907 y finalizará en 1912 y no se realizará una reforma hasta 1956 cuando se introducirán diversas modernidades, así cómodas el zaguán que es añadido siguiendo el planteamiento de la construcción original.
La planificación de la vivienda está perfectamente estudiada, para acceder se ha de recorrer la alameda teniendo al fondo en todo el trayecto la torre de la vivienda. El conjunto consta de tres plantas, una capilla, un sótano y una torre. La planta del edificio sigue un trazado en forma de cruz, con un eje central en el cual se sitúa la escalera principal. Sin embargo los brazos no son simétricos dado que mientras se realizaba su construcción se añadió la capilla. Consta de dos plantas nobles en altura desde donde se podía contemplar la alameda, para uso de la familia con salones y dormitorios y otra se dependencias como el desván y habitaciones de servicio. Como curiosidad a la capilla tenían acceso los trabajadores.
Obras de restauración: en 1991 fallece Rufo Luelmo, es entonces cuando la casa sufre un abandono que provoca un gran deterioro que culmina con un incendió en 1998. En 2001 se comienza la restauración, llevada a cabo por el arquitecto Antonio Garcés, la dirección General de Patrimonio y Bienes Culturales de la Junta de Castilla y León. En un primer momento se centraron en parar su deterioro y posteriormente devolver la belleza a la construcción manteniendo las formas y el gusto original del que fue dotada por Ortiz de Urbina. La propiedad de la vivienda pasa a manos del Ayuntamiento de Valladolid quién se lo cederá a la Junta de Castilla y León para que la utilice como sede de la Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León. En 2019 entró a formar parte del catálogo de la fundación Docomomo, siglas de Documentación y Conservación del Movimiento Moderno, pasando a ser un bien protegido.
Hemos entrado en una de las semanas más importantes para la ciudad de Valladolid, y es que celebramos el festival de cine Seminci, Semana Internacional de Cine de Valladolid. Este año celebramos la 64ª edición por ello es considerado uno de los festivales más antiguos y consolidados de Europa.
¿Pero cómo surgió en una ciudad como Valladolid un festival de este tipo? Nos trasladamos a 1956 año de su primera edición, en ese momento nace la Semana de cine Religioso de Valladolid, inaugurada el 20 de marzo de ese mismo año. Hay que tener en cuenta que Valladolid tiene un fuerte sentimiento religioso que puede verse reflejado en nuestra Semana Santa, lo que se quiso hacer es unir ese sentimiento con el séptimo arte y así transmitir los valores morales católicos. Esta idea duro cuatro años, ¿porqué? pues la razón es simple no había suficientes películas con una temática religiosa como para llenar un festival, por ello se decidió ampliarlo con el concepto de «Los valores Humanos» pasando a ser la Semana Internacional de Cine Religioso y de Valores Humanos.
La SEMINCI propiamente dicha, tal y como hoy la conocemos, nace en 1973, cuando se decide eliminar el concepto religioso ampliando las miras, según me han comentado en la organización de la Seminci hay dos motivos fundamentales para esta decisión, la posibilidad de que hubiera más cantidad de películas participando y por otro lado se dieron cuenta que los productores reservaban sus obras para nuestro festival. Y de esta manera año tras año grandes personalidades del cine acuden a esta cita obligatoria.
LA ESPIGA
El premio, que como no podía ser de otra manera en Valladolid es una espiga, es el premio que se otorga al ganador de a Sección Oficial, grandes personalidades lo han conseguido, más adelante menciono algunos. Este premio realmente sustituye al anterior el Lábaro y Dom Bosco. Como en el primer año de su creación en realidad no era un concurso no se entregó ningún premio, fue en 1958 cuando se decidió entregar dos premios uno de oro para la película ganadora y otro de plata para la finalista, Dom Bosco. Al año siguiente fue sustituido por el Lábaro, sustituido a su vez por el Premio Ciudad de Valladolid, parece todo un poco rocambolesco, cada año cambiar de premio, pero hay que pensar que el festival era nuevo y se iba puliendo festival tras festival. Será en 1960 cuando se toma la Espiga como galardón, conviviendo con los premios anteriores hasta 1974 y a mayores el premio Fipresci otorgado por la Federación Internacional de Prensa Cinematográfica .
Lábaro
Otros premios
No es sólo la Espiga de oro o de plata, la Seminci otorga otros premios que se han ido añadiendo con el paso del tiempo, como mejor actor y mejor actriz, mejor guión, este es un poco más especial se conoce como el premio Miguel Delibes en homenaje al escritor vallisoletano. También, más modernos, son el premio a la Diversidad Cultural, el premio del Público, un premio muy interesante dado que lo votan los espectadores, el Premio al Mejor Cortometraje Europeo, Premio a la Mejor Música, el Premio ‘La noche del Corto Español’. Y para integrar a todos y acercar la Seminci a los jovenes se crearon dos secciones Miniminci y Seminci Joven. Cabe destacar que si eres menor de 30 años puedes participar como jurado joven a través del Consejo Local de la Juventud de Valladolid , yo lo hice en 2013 y fue una gran experiencia.
Secciones:
La primera es la Sección oficial que ofrece una visión del cine mundial. La siguiente es Punto de encuentro películas independientes y comprometidas, según la propia Seminci es una muestra paralela de carácter competitivo que reúne primeros o segundos films de ficción que posean un especial relieve por su valía temática o estilística. Tiempo de historia dedicada a los documentales. DOC España son documentales esoañoles. Castilla y León en largo, películas y documentales realizados por directores castellano-leoneses o rodados en Castilla y León que no participan en concurso. Castilla y León en corto al igual que en largo directores castellano-leoneses o rodados en Castilla y Leon. Seminci Joven para jóvenes de 12 a 18 años. Miniminci para niños de 7 a 12 años. Spanish Cinéma largometrajes españoles estrenados a lo largo del año. ESCAC, muestra la obra de la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC).› Cine y Vino, sección que incluye proyecciones relacionadas con el mundo de vino acompañadas por conciertos, degustaciones y catas. Cine y Cambio Climático una sección que pretende concienciar sobre los problemas medioambientales. Seminci transmedia nos muestra nuevos lenguajes audiovisuales
¿Y quién ha ganado la Espiga?
Personalidades tanto nacionales como internacionales, Woody Allen en 2008, Angela Molina en 2012, Juliette Binoche en 2015 Géraldine Chaplin en en 2016, Juan Andonio en 2018.
Este año el galardón de Honor será para Alejandro Amenabar
¿Y qué decimos del cartel? Cada año uno diferente, este año el autor ha sido Toni Pontí y lleva por título Firma de autor.
En las propias palabras del autor «hablar de autoría, identidad y cine, entendido aquí como séptimo arte, y del festival como cine de autor… Una S protagonista construida a partir de manchas de pintura de múltiples colores con un estilo influenciado por el expresionismo abstracto. Una S manuscrita con diferentes firmas de diferentes autores de diferentes razas y colores que construyen una única rúbrica, en este caso la de la Seminci»
Pero sin duda alguna si pensamos en la Seminci nos viene a la memoria esa imagen de un beso, unos labios rojos, en realidad es el cartel oficial del año 1984 obra de Manuel Sierra con el nombre de «El beso celuloide» que marca un antes y un después además de convertirse en la imagen oficial del festival muestra un cambio de mentalidad rompiendo con la imagen conservadora que hasta ese momento tenía. En 2010 se actualiza el logotipo pero esos labios siguen dejando su huella
Esta es una de esas cosas curiosas que te encuentras cuando vas de viaje, visitando Trento pude ver un patrimonio y una historia que no te deja indiferente, sin embargo llamó mi atención esta fuente con un águila de piedra, está situada en la Piazza del Duomo, a un lado, podría pasar perfectamente desapercibida si no fuera porque ese es el punto perfecto para hacerte una foto con la Catedral de fondo. Me quedé mirándolo en lo que se despejada la plaza para hacer la foto de rigor, puede que fuera algo o puede que no fuera nada pero yo le hice unas fotos y después, en la típica tienda de souvenirs se me ocurrió preguntar por la fuente, el hombre muy amable me dijo que se llama «la fontana del Aquila» y que tiene una leyenda curiosa que aquí os voy a contar, en realidad tiene dos versiones, cada cual que elija la que prefiera.
Águila de San Wenceslao
La primera nos habla de un hombre, Gian Giorgio Scanda y un águila, ambos forjaron una gran amistad de la cual la mujer de Scanda estaba muy celosa, lo que provocaba violentas peleas que acabaron con la muerte de ella, Gian fue llevado a prisión por el asesinato, una noche recibió la visita del Águila quien le prometió que quedaría en libertad si no juraba en falso, y así lo hizo, declaró la verdad, sin embargo el hombre fue condenado a la horca en la propia Piazza del Duomo, enfurecido por creerse engañado por el Águila juro su inocencia y acuso al águila de la muerte de su esposa, maldiciendo: «y si miento que el águila se convierta en piedra» el águila, que estaba volando alrededorse se posó en un pilar y se convirtió en piedra y el hombre fue ejecutado.
En la segunda versión de la leyenda un joven condenado injustamente a muerte en la Piazza del Duomo vio un águila dando vueltas en el cielo, lo miró y gritó «que el águila se convierta en piedra si soy inocente» en ese momento el águila se posó sobre la columna convirtiéndose en piedra.
Dos versiones distintas pero con el mismo resultado, un águila petrificado, cabe destacar que el águila es el emblema de esta ciudad, es el Águila de san Wenceslao,
Indagando un poco pude reunir ciertos datos sobre la fuente, es obra de Leonardi y Stefano Varner y fechada en 1850. En mi opinión (y es solo una opinión) me gusta más la idea de las leyendas que el hecho de que sea obra de un escultor, por otro lado es una espléndida talla.
La Morena del Arte 