Quiero compartir un poquito de Semana Santa, bueno poquito según se mire, porque ya te adelanto que va para largo. Y es que hay tanto que decir que ni se por donde empezar: procesiones, pasos, cofradías… Tal vez lo mejor sea comenzar desde el principio: ¿Por qué se celebra la Semana Santa de esta manera en Valladolid? La tradición comienza en los conventos, donde surgieron las cinco primeras cofradías de la ciudad, que aún perduran: Vera Cruz, Angustias, Piedad, Sagrada Pasión y Jesús Nazareno. Fue en los siglos XVI y XVII cuando el fervor por la Semana Santa alcanzó su apogeo, pero claro cuando tienes a escultores de la talla de Juan de Juni y Gregorio Fernández, entre otros, es imposible que los sentimientos no exploten.
Sin embargo, todo empezó a decaer en el S.XIX donde se desvirtuó la idea propia del significado de la Semana Santa, debido a la proliferación de puestos de comida y bebida en las calles. Imagina la escena: cofrades con sus hábitos, imágenes sagradas adornadas con flores, y de repente, la tentación de detenerse para disfrutar de un suculento plato de carne, porque claro, estás haciendo mucho esfuerzo. La situación se descontroló por completo. De estas que nos invaden los franceses y claro cortaron con todo lo que se hacía en Semana Santa lo malo pero por desgracia también lo bueno, dejando únicamente una procesión el Viernes Santo, Luego querían que les tuviéramos cariño.
Una vez les expulsamos se vuelve a retomar la Semana Santa. El verdadero resurgir será en 1920 con el Arzobispo Gandásegui, el arquitecto e historiador Juan Agapito y Revilla y el director del Museo de Bellas Artes Francisco Cossio, ellos recuperaron las procesiones con la colaboración de las cinco cofradías penitenciales, las imágenes del museo. Se unieron asociaciones religiosas laicas al proyecto, dando lugar a la creación de nuevas cofradías y expandiendo la procesión general del Viernes Santo. Con el paso de los años, estas nuevas cofradías han contribuido con nuevas tallas, enriqueciendo aún más la tradición.
Remigio Gandasegui. Juan Agapito y Revilla. Francisco Cossio
Y esta es un poco, a grandes rasgos, como surge la Semana Santa que todos conocemos.
Es una época muy extraña para mi, no están siendo momentos fáciles precisamente por lo que me he dedicado a buscar aquello que me hiciera sentir un poco mejor, porque como siempre digo, el arte hace que se remuevan los sentimientos y yo ahora necesito alegrías, por eso rebuscando entre las obras de arte más extrañas me he encontrado una ranita muy chiquitita y curiosa, no, no es la de Salamanca, está un poquito más lejos… en Rusia nada menos, en una ciudad llamada Tomsk, es posiblemente la escultura más pequeña del mundo y si, conozco las nano esculturas de Jonty Hurwitz de las que hablaré en otro artículo, ahora me apetece más hablar de una escultura que se pueda ver sin necesidad de un microscopio, aunque si eres miope como yo no te olvides las gafas puesto que esta ranita mide unos 44 milímetros, que no centímetros, pero se ha hecho tremendamente popular, como dijo Dani Martin “Ay pequeño, que grande puedes llegar a ser” y es lo que le pasa a esta ranita que es pequeñita pero la gente se baja del Transiberiano para buscarla y por supuesto hacerse el selfie correspondiente.
La rana viajera
Pero nuestra amiga no es una escultura al azar, es parte de un cuento popular de Vsevolod Garshin (1855-1888) uno de los grandes autores de literatura de la edad de oro rusa, estudió en la Escuela de San Petersburgo, posteriormente fue voluntario en la guerra Ruso-turca. De regreso a San Petersburgo sufrió un colapso mental por lo que fue ingresado en un sanatorio mental, como el pintor de gatos ¿os suena? En 1883 se casó y comenzó a trabajar en la Compañía Rusa de Ferrocarriles, un trabajo que le daba para subsistir pero que muy propicio para la creación literaria…no. aunque no lo sé, puede que fuera uno de los muchos motivos que tendría para que en 1888 se suicidara tirándose por el hueco de unas escaleras. Una desgracia, sólo tenía treinta y tres años, un hombre al que años antes Tolstoi consideró el mejor escritor joven de su tiempo junto a Chejov.
Ilustración del cuento
Bueno cambiemos a algo más amable, de que trata “La rana viajera” bueno pues en lo que he podido encontrar, que no esté en ruso ni en lituano ni en estonio ni… os hacéis idea. Pues es una ranita que presume de poder volar con los patos (o gansos) y presume delante de otras ranas y de patos de otros pantanos y resulta que nuestra amiga si vuela, dos patos sujetan una cuerda y ella se agarra a ella y así viaja por el mundo, de ahí “La ranita viajera”
Su autor es Oleg Kislitsky (1954) quien en un principio quería realizar la escultura más grande del mundo pero igualar los 182 metros de Sadar Patel de la provincia de Gujarat en La India no es fácil ni barato, por lo que Kislitsky decidió que si no podía hacer la más grande realizaría la más pequeña, por cierto Sadar Patel fue un político que luchó por la independencia de La India como Mahatma Gandhi y que esto es lo que me gusta de escribir este blog, como paso de unas cosas a otras y cómo aprendemos un poquito cosas que seguramente ni habíamos pensado, ¿Por qué a Gandhi lo conocemos pero a Patel? pero bueno que me desvío. El caso es que la originalidad y la creatividad no se le puede negar y es que Oleg es pintor, escultor, poeta… y autor de varias obras situadas en Tomsk no sólo la Rana viajera.
Ahora que seguimos viviendo esta pandemia y que las vacunas están llegando a toda la población no puedo dejar de pensar en los conejillos de indias y las ratas de laboratorio, en los experimentos que se llevan a cabo con todo tipo de animales y, al pensar en ellos, me viene a la mente un curioso monumento ruso dedicado precisamente a los ratones de laboratorio.
La escultura se encuentra en el Instituto de Citología y Genética de Novosibirsk, Rusia, se inauguró el 1 de julio de 2013 coincidiendo con el 120 aniversario de la ciudad. Nos muestra a un ratón gigante con unas gafitas en la nariz que está tejiendo con dos agujas de punto una cadena de ADN, y no se porque siempre que pienso en cadena de ADN me acuerdo de Jurassic Park… Esta escultura es un homenaje, incluso va más allá, un símbolo de agradecimiento a todos los animales a los que se les han hecho todo tipo de crueldades en favor de la ciencia.
La escultura del ratón mide unos 70 centímetros pero si contamos el pedestal la altura total son 2 metros y medio. Por lo que llama la atención como este instituto ruso ha puesto en valor la vida de estos animales.
El diseño es obra de Andrew Kharkevich y comenta de su escultura que “Combina la imagen de un ratón de laboratorio y un científico. Se captura al ratón en el momento del descubrimiento científico. Si se le mira a los ojos, puede verse que este pequeño ratón ha conseguido algo. Pero la sinfonía completa de los descubrimientos científicos, la alegría, ‘Eureka’ todavía no se han manifestado.” pero el escultor es Alexei Agrikolyansky, quien confiesa la dificultad de otorgar rasgos humanos a un ratón.
La representación es un poco caricaturesca, como un dibujo animado, lejos de la imagen real de un ratón, lo que hace que se enternezca un poquito más el corazón al ver a este ratón científico que, a mi por lo menos, me parece que tiene cierta edad y más aún si me fijo en esa toquilla con la que se cubre. Parece ser él quien realiza el descubrimiento sobre genética, es una cara amable de lo que ha ocurrido en el interior de ese instituto. Sin embargo creo, y esta es mi opinión, que es muy loable por parte de esta entidad reconocer la importancia de estos pequeños seres en la carrera científica.
Y si alguien quiere acercarse, ahora que podemos salir de nuestra comunidad, os dejo el enlace de la ubicación.
Estamos de cumpleaños, no el mío claro, si no el de Alfons Mucha, le dedico unas palabras pues he tomado la imagen “Música” de su serie de “Las Artes” como imagen principal tanto de este blog como de mis redes sociales. Voy a contar un poco su vida y su obra.
Es considerado el máximo exponente del Art Nouveau, no sólo fue pintor sino artista decorativo, pero donde realmente destaca es en un sector novedoso, la publicidad, es ahí en el cual logró sus grandes triunfos, todo anunciante solicitaba por sus servicios, incluso la actriz Sarah Bernhardt llegó a ofrecerle un contrato de exclusividad por seis años para que la representara en sus obras. De esa manera sus imágenes son mundialmente conocidas, no solo en museos, sino siendo símbolos de distintos productos, hoy en día sigue siendo considerado referente de la evolución del cartel comercial.
Cartel de Gismonda, Sarah Bernhardt, 1894
Sus obras se caracterizan por las figuras femeninas estilizadas, de largas melenas, líneas sinuosas, flores, decorados recargados y arabescos, con gran influencia bizantina características en sus elementos decorativos, en lo referente al color vemos una influencia del Prerafaelismo y el mundo medieval.
Nace el 24 de Julio de 1860 en Invancice, Moravia, una de las tres regiones de la República Checa. En 1879 viajará a Viena donde trabajará como pintor de decorados teatrales hasta 1885, cuando comenzará sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Munich, gracias al mecenazgo del conde Khuen-Belassi, para el que había trabajado dos años antes en la decoración del palacio Emmahof. De ahí marchará a París para estudiar en la Academie Julian. En 1892 recibe el encargo de ilustrar la obra “Scenes et episodes de l´histoire d´Allemagne” de Charles Seignobos, en los que ya se pueden ver sus principales características como mujeres bellas con cabelleras sueltas, arabescos, colores, etc. Su primer gran éxito y reconocimiento llega en 1894 cuando realiza su primer cartel para Sarah Bernhardt, es en este momento cuando le ofrece el contrato en exclusividad por seis años. Tres años después celebrará su primera exposición individual en la galería Bodiniere de París en la que exhibe 107 obras, ese mismo año también realiza otra exposición en el Salon des Cent con 448 obras, posteriormente exhibirá en Praga en el Salón Topic. Su éxito seguirá aumentando hasta 1899 cuando el gobierno austrohúngaro le invita a participar en la Exposición Univerdal de París de 1900. Entre 1906 y 1910 se dedicará a impartir clases en América. A su regreso a Praga culminará la decoración del Salón del alcalde de la Casa Municipal que será la última gran obra realizada en estilo modernista de la ciudad. Entre otras obras diseñará sellos de correos y billetes para la recién nacida Checoslovaquia, 1918. Seguirá trabajando en la “Epopeya eslava” hasta 1928 cuando toma la decisión de entregarla tanto a la ciudad de Praga como a su pueblo. Una de sus últimas obras la realizará en la catedral de Praga, diseñando las vidrieras. Tras la invasión alemana de Checoslovaquia, Mucha es una de las primeras personas detenidas por la Gestapo. Se le permite regresar a su casa, pero su salud empeora rápidamente y muere en Praga el 14 de julio de 1939. Su tumba se encuentra en el cementerio de Vyšehrad.
En 1898 realiza la serie «Las Artes» dedicada a los cuatro géneros artísticos, fue impresa en vitela en una edición de 1000 copias, con 50 copias adicionales de edición limitada impresas en satén. En ella deliberadamente evitó la utilización de sus tradicionales atributos, tales como la pluma de ganso, los instrumentos musicales o los utensilios de dibujante. Del mismo modo nos incluye la naturaleza en el fondo, dotando a cada arte un momento del día. La mañana para la Danza, mediodía para la pintura, la tarde para la Poesía y la noche para la Música.
Epopeya Eslava es considerada una de las siete maravillas checa, Mucha quiso reflejar la historia de la nación eslava, una historia milenaria desde su origen basado en la mitología hasta la liberación del siglo XIX, se compone de 20 lienzos pintados a lo largo de 18 años.
Epopeya Eslava
Epopeya Eslava
Epopeya eslava
Epopeya Eslava
Epopeya Eslava
Y porqué esta imagen, por una “mala” costumbre de una persona importante en mi vida, esa mala costumbre que agradezco desde aquí. Y es que cuando esta persona viaja, siempre me trae libros sobre arte de cada ciudad que visita, empezó con Nueva York allá por el 2005, luego Petra, Londres, Tel Aviv, y por supuesto Praga y fue con ese libro cuando yo redescubrí a este gran artista, sus obras, su arte. Quedando grabada la imagen concreta de “la Música” esa mujer que intenta escuchar, de larga melena morena y que a la hora de abrir este blog no lo dude, ella sería mi imagen. Por cierto esa persona no es otra que mi hermano.
En estos días que nos parecen tan duro rondan en mi cabeza artistas que fueron encerrados por causa de fuerza mayor, ellos no pudieron elegir, por motivos que se escapaban a su control tuvieron que pasar años no precisamente en sus casas, es el caso del “Pintor de gatos” las imágenes que os muestro seguro que os suena, ya las habéis visto, son gatitos tiernos graciosos e infantiles que nos alegran el día.
Pero, cómo alguien se dedica a pintar gatos y de esta manera. Ante todo pongámosle nombre, Louis Wain (1860-1936) artista inglés nacido en Clerkenwell, estudió en la West London School of Arts, donde llegó a dar clases. Sin embargo abandonó esta profesión para centrarse en su pintura. En este punto para ganarse la vida comenzó a trabajar como ilustrador en revistas como Illustrated London News. Donde principalmente dibujaba todo tipo de animales.Las caricaturas de gatos llegaron posteriormente, cuando su esposa Emily enfermó de cáncer de mama, débil, Emily siempre sonreía al ver a su gato Peter, algo que entendemos a la perfección todos los que tenemos mascota. Para animar a su esposa comenzó a hacer caricaturas de Peter en actitudes y situaciones divertidas, esto le empezó a reportar cierto éxito centrándose únicamente en sus caricaturas gatunas.
Tabbies in Hyde Park
¿Y cómo son estos gatos? Son figuras antropomorfas, gatos con actitudes humanas y realizando actividades solo propias de los humanos. Al principio eran gatos con cuerpo de animal que, por ejemplo, leían el periódico. Poco a poco se fueron humanizando. Su intención a la hora de realizar las caricaturas pasó de un entretenimiento a caricaturizar la sociedad inglesa del momento. Solía recorrer la ciudad, acudir a los ambientes sociales y dibujar lo que veía, siempre transformando a las personas en gatos, estos dibujos llegaron a gustar tanto que ilustró varios cuentos infantiles, era contratado en ediciones de los más importantes periódicos de la época, así como calendarios, postales etc. El mayor éxito de su carrera llegó cuando publicó su propia revista “Louis Wain Annual” este éxito sin embargo, no pudo ser compartido con Emily, murió antes de poder ver a su marido reconocido por la élite inglesa.
The bachelor party, La fiesta de los solteros
Y que tiene todo esto que ver con hablar de artistas encerrados, pues bien, Louis, tras años de éxitos, comenzó a tener cambios en su carácter, llegando a sufrir alucinaciones y ataques de ansiedad, fue diagnosticado de esquizofrenia, todos estos cambios fue expresándolos en su pintura, si bien continuaba pintando gatos, eran mucho más coloridos y abstractos, dejando a un lado las escenas bucólicas que le hicieron famoso. Llegó a estar tan enfermo que tuvo que ser encerrado en un hospital psiquiátrico, no obstante las condiciones del lugar eran tan lamentables y él era tan querido que H.G Wells contactó con el Primer ministro y consiguió que le trasladaran al Bethem Royal Hospital, donde las instalaciones y las condiciones eran muy superiores, estando dotado de jardín e incluso de una colonia de gatos a los que por supuesto se dedicó a retratar ya no como personas, su arte fue evolucionando hacia la abstracción, realizando combinaciones de líneas, formas caleidoscopicas y colores vivos, nos muestra un impulso creativo, la forma de expresar lo que siente alguien que no tiene otro medio para hacerlo. El punto de vista de una vida que jamas seremos capaces de ver.
A cat in a gothic style
Y así pasó los últimos quince años de su vida, encerrado y pintando, sus amigos, siempre leales, se encargaban de que nunca faltaran gatos en aquel jardín. H.G.Wells afirmó que “Los gatos de Inglaterra que no se parecen a los gatos de Louis Wain se avergüenzan de sí mismos”
Y es que el arte es una vía de escape, una de las mejores maneras de expresarnos, desde aquí os animo a coger un lápiz y un papel y expresar a través de un dibujo o un escrito vuestros sentimientos, no hay nada mejor que soltar lo que uno lleva dentro y dado que nos quedan días en esta situación que mejor que desahogarnos
Gato eléctrico
A continuación os dejo más imágenes de sus gatetes.
Y como curiosidad se está rodando una película sobre su vida dirigida por Will Sharpe y protagonizada por Benedict Cunberbatch y Claire Foi.
Esta publicación se la debo a una muy buena amiga, en verano estuvimos juntas en este rinconcito de Valladolid, tome unas fotos de noche que son las que podéis ver aquí, he estado preparando estas palabras con cariño y más que en esa visita nos acompañaba un compañero de cuatro patas al que echamos mucho de menos. En aquel momento me comenta que podía escribir sobre este lugar. Y ante una petición así ¿qué puedo hacer? Pues una entrada.
Pero hablemos de este trocito de Valladolid, de una joya que muy posiblemente se escape de la vista de los turistas, no está situada precisamente cerca del centro sino en un barrio aparentemente de nueva construcción. No sé cuánta gente se desplazará para verla, pero tanto la construcción como el entorno merecen el paseo.
Se llama Villa Luelmo por el apellido del propietario, sin embargo es conocida popularmente como Villa Paulita por ser el nombre de la esposa de Rufo Luelmo, propietario de la vivienda que posiblemente intervino en su construcción junto al arquitecto Antonio Ortiz de Urbina. Luelmo era un empresario agrícola que llegó a ser presidente de la Cámara de Comercio de Valladolid.
En el siglo XIX la burguesía adquiere poder económico como ya mencione en una entrada anterior y una de las cosas en que invierte este nuevo poder adquisitivo es en viviendas de recreo, como es este caso. Cabe destacar que este es uno de los primeros ejemplos de modernismo de Valladolid, si modernismo, aquí también llegó el gusto por este estilo y lo apreciamos sobre todo en el alzado y en la decoración como es el zócalo de granito, arcos apuntados en la capilla y la galería de madera.
Su construcción comienza en 1907 y finalizará en 1912 y no se realizará una reforma hasta 1956 cuando se introducirán diversas modernidades, así cómodas el zaguán que es añadido siguiendo el planteamiento de la construcción original.
La planificación de la vivienda está perfectamente estudiada, para acceder se ha de recorrer la alameda teniendo al fondo en todo el trayecto la torre de la vivienda. El conjunto consta de tres plantas, una capilla, un sótano y una torre. La planta del edificio sigue un trazado en forma de cruz, con un eje central en el cual se sitúa la escalera principal. Sin embargo los brazos no son simétricos dado que mientras se realizaba su construcción se añadió la capilla. Consta de dos plantas nobles en altura desde donde se podía contemplar la alameda, para uso de la familia con salones y dormitorios y otra se dependencias como el desván y habitaciones de servicio. Como curiosidad a la capilla tenían acceso los trabajadores.
Obras de restauración: en 1991 fallece Rufo Luelmo, es entonces cuando la casa sufre un abandono que provoca un gran deterioro que culmina con un incendió en 1998. En 2001 se comienza la restauración, llevada a cabo por el arquitecto Antonio Garcés, la dirección General de Patrimonio y Bienes Culturales de la Junta de Castilla y León. En un primer momento se centraron en parar su deterioro y posteriormente devolver la belleza a la construcción manteniendo las formas y el gusto original del que fue dotada por Ortiz de Urbina. La propiedad de la vivienda pasa a manos del Ayuntamiento de Valladolid quién se lo cederá a la Junta de Castilla y León para que la utilice como sede de la Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León. En 2019 entró a formar parte del catálogo de la fundación Docomomo, siglas de Documentación y Conservación del Movimiento Moderno, pasando a ser un bien protegido.
Hace unos días me vino a la memoria este cuadro viendo fotos de viajes, ¿Porqué este cuadro? cuando viajo a una ciudad me parece visita obligada acudir a sus museos y tengo que reconocer que me gusta hacerlo con gente que en un principio no están interesados en «ver cuadros», mi cámara está llena de fotografías de mis acompañantes mientras disfrutan de una obra, cuando algo les llama la atención. Yo suelo pararme en todo, fijarme en detalles, comparto datos que creo que hacen la visita más interesante, pero luego hay un momento en que esa persona poco interesada en el arte se para en seco delante de una obra, la mira, la observa, me llama para que me acerque y empieza a hablar de todo lo que le pasa por la cabeza, un punto de vista distinto, ese momento es uno de los mejores cuando visito un museo. Es lo que ocurre con esta obra «The sunshade» no es la más conocida del artista, de hecho en la guía del museo no aparece. Hace un año estuve en Dublín, mi primera visita a Irlanda y espero que no la ultima, me encantó y la recomiendo. Y cómo no, visita obligada a la National Gallery, es allí donde se encuentra esta obra, su autor William John Leech (1881-1968) pintada en 1913, mi acompañante se quedó fascinado con el color, esa paleta cromática que a simple vista parece limitada, el rostro de la mujer, que a él le decía tantas cosas… es por eso por lo que hoy la muestro aquí a ver si a más personas le provoca esas sensaciones.
Leech toma como modelo a su esposa Elizabeth, la luz del sol irrumpe con fuerza desde la izquierda de la pintura resaltando los finos rasgos del rostro y las manos de la mujer, vestida a la moda de la época, utiliza el amarillo cadmio de la chaqueta de punto, pintado en un empaste espeso para crear textura, vibra contra el verde viridiano de la sombrilla, que proyecta sombras del mismo color sobre los hombros de la modelo. Al fondo pueden verse tallos altos de lirios, este escenario puede ser el jardín de Concarneau, donde Leech pintó su famoso cuadro «A Convent Garden Brittany», tanto el atrevido color como los parches de luz son característicos del estilo postimpresionista de Leech.
Hablemos un poco de William Jonh Leech, nació en Dublín en 1881, estudió en la Royal Hibernian Academy con Walter Osborne. En 1903, se traslada a París, donde se enamorará del paisaje francés y permanecerá hasta 1917, allí conocerá a Elisabeth Saurin, una joven pintora con un estilo artístico afín al suyo, con quien contrae matrimonio y a quien toma como modelo para esta pintura, sin embargo su matrimonio sólo durará dos años. Leech vivirá principalmente en Concarneau en Bretaña, pero visita Dublín con regularidad y continua exhibiendo anualmente en la Royal Hibernian Academy, quien lo eligió como miembro de pleno derecho en 1910. Su pintura fue ganando prestigio en París, donde le otorgaron la medalla de bronce en El Salón de 1914. En 1918, Leech sirvió por un tiempo en el ejercito en Francia a causa de la Primera Guerra Mundial, pero esta experiencia lo dejó sumido en una depresión. Sin embargo, continuó pintando y exhibiendo sus obras durante los años 20 y 30. Ya en los años 40 realizará diferentes exposiciones individuales en la Galería Dawson en Dublín, a pesar de todo el reconocimiento por sus obras a lo largo de su vida, Leech tuvo problemas financieros, se dice que llegó a hacer sus propios marcos para ahorrar dinero.
En cuanto a su estilo su trabajo muestra una influencia tanto por pintores impresionistas como Monet o Cézanne como por pintores postimpresionistas como Matisse y Van Gogh, debido a su estancia en París, pero también debido a la influencia de Walter Osborne, pintor de paisaje impresionista con quien entra en contacto en la Royal Hibernian Academy.
Autorretrato de William Jonh Leech
Y gracias a este recuerdo dejo pendiente dedicar unas líneas a Elisabeth, que cómo ya he dicho también fue artista y he descubierto cosas muy interesantes sobre ella.
Fallingwater, also known as the Edgar J. Kaufmann Sr. Residence, is a house designed by American architect Frank Lloyd Wright in 1934 in rural southwestern Pennsylvania, 50 miles southeast of Pittsburgh, and is part of the Pittsburgh Metro Area. The house was built partly over a waterfall in Bear Run at Rural Route 1
FallingWater
El 7 de julio ha tenido lugar en Bakú, Acerbaiyan, la 43ª reunión de la Unesco sobre el patrimonio mundial, incluyendo en esta ocasión ocho obras de Frank LLoyd Wright (1867-1959) a la lista de Patrimonio Mundial, todas ellas situadas en Estados Unidos.
¿Y porqué tal galardón? Por su contribución al mundo de la arquitectura. Una de sus grandes aportaciones fue la importancia que otorgó a las estancias de la casa y no a la fachada, adaptándolas a las necesidades de su propietario, desechando no sólo la ornamentación exterior, sino todas las directrices implantadas sobre arquitectura, en particular la imposición tradicional de una perfecta simetría.
Hay especialistas que le consideran más un ingeniero que un arquitecto (artista) de hecho fue estudiante de ingeniería en la Universidad de Wisconsin, carrera que abandonó después de dos años. Sin embargo él acuñó el término «Arquitectura orgánica» basada en la búsqueda de la funcionalidad, en satisfacer las necesidades del ser humano, una armonía equilibrada, de este modo la casa es considerada un organismo vivo cuyas partes están relacionadas entre si.
Las obras incluidas son:
Fallingwater (Mill Run, Pensilvania) 1936-1939 sobre la cascada del río Bear Run se sitúa esta edificación, la cual es un claro ejemplo de arquitectura orgánica, simboliza la armonía entre las personas y la naturaleza, se integra a la perfección en el terreno, esto se puede apreciar en la cimentación que utiliza la propia roca, tanto el edificio, su mobiliario y el paisaje se interrelacionan para crea esta arquitectura orgánica. El diseño a través de grandes terrazas crea la sensación de estar suspendida sobre el río. Según Wright «Donde el todo es la parte, como la parte es el todo, donde la naturaleza de los materiales, la naturaleza del propósito, la naturaleza de toda el funcionamiento son todo igual de importante para el resultado final del edificio».
Herbert y Katherine Jacobs House (Madison, Wisconsin) Herbert Jacobs era periodista en el Milwaukee Journal, quería que Wright le diseñara una vivienda para él y su familia. En este caso la preocupación de Wright era el clima cambiante de la zona, dado que puede oscilar ente -10º y 30º dependiendo de la época del año, para cubrir las necesidades de las personas, objetivo fundamental en la arquitectura de Wright, situó la parte principal de la edificación hacia el Este y el dormitorio principal hacia el sur de este modo solventaba los inconvenientes de los cambios climáticos, a esta disposición añadió paredes de madera por su carácter aislante. La estructura de esta edificación es en forma de L, de una sola planta con dos dormitorios lo que provocó que pronto fuera demasiado pequeña para la familia que pocos años después se trasladó.
Herbert y Katherine Jacobs House
Museo Guggenheim (Nueva York) 1943- 1959, la fundación Solomon Guggenheim fue creada en 1937, en Nueva York. Wright fue solicitado para este diseño pues era uno de los arquitectos más importantes del momento en Estados Unidos, sin embargo no llegó a ver terminado este gran proyecto dado que el museo fue inaugurado seis meses después de su muerte. Es una estructura original cuyo protagonista principal es una gran rampa en espiral desde la planta baja hasta la parte superior donde se sitúa un tragaluz en la cual se disponen las diferentes salas de exposiciones del museo, es un elemento revolucionario y característico de este museo, desechando el concepto tradicional de salas con obras expuestas, convirtiendo el propio edificio en una obra de arte más incluida en el lenguaje expositivo.
Museo Guggenheim
Hollyhock House (Los Ángeles) 1919 y 1921 Wright diseñó esta vivienda para Aline Barnsdall, hija de un empresario del petroleo. en la actualidad se sitúa en el Barnsdall art park. Iba a formar parte de un complejo mayor que incluiria un teatro, sin embargo no se llegó a terminar, desilusionada Barnsdall decició donar a la ciudad la construcción en 1927. La estructura se dispone alrededor de un patio central, los muros están inclinados, para su diseño se inspiró en las construcciones mayas, el material utilizado fue hormigón armado.
Hollyhock House
Casa Taliesin, Spring Green (Wisconsin) esta es la propia casa de Wright. Esta vivienda tiene una triste historia, en 1914 el chef de Wright asesinó atacando con un hacha a seis personas, entre ellas la amante del arquitecto, posteriormente incendió la vivienda. Este hecho marcó profundamente a Wright. Fue construida evocando las antiguas construcciones autóctonas, el material utilizado es piedra caliza amarilla proveniente de una cantera cercana, se adapta a la forma de la colina, consta de una sol planta toda ella rodeada de grandes ventanal para provechar la luz natural. Tras el incendio, Wright la reconstruyó como Taliesin II.
Casa Taliesin
Casa Taliesin West, (Arizona) 1937. Esta fue la casa de invierno de Wright hasta su muerte en 1959. A la hora de realizar su diseño consideró que Arizona necesitaba su propia arquitectura, la vivienda debía mimetizarse con el paisaje, utilizando como material lo que denominó como «mampostería del desierto» vigas de madera rellenas de hormigón. Dadas las temperaturas y el clima del desierto incluye soluciones diferentes como eliminar techos y cubrir con lonas, aumentar la humedad con dos estanques, muros con cámara de aire para aumentar el aislamiento, se basa en las construcciones autóctonas para inspirarse.
Taliesin West
Taliesin West, Petroglifos
Unity Temple (Oak Park, Chicago) 1909. El propio Wright definió esta obra como «mi joya». Es un diseño innovador con líneas cubistas que rompe con la idea de los templos religiosos construidos hasta el momento, En este caso el interés de Wright era la funcionalidad para el servicio religioso, se encargó del diseño de todos los elementos, no solo arquitectónico sino mobiliario, vidrieras etc. Este edificio secular incluye una sala de reuniones, balcones utilizados como aulas abiertas y otras salas especiales. Al igual que la arquitectura residencial de Wright, esta iglesia tiene como eje central la chimenea. Muchos arquitectos lo consideran el primer edificio moderno del mundo.
Unity Temple
Frederick C. Robie House (Chicago) 1910. Obra cumbre del denominado «Prairie style» o casa pradera. La vivienda se estructura a través de la gran chimenea, alrededor de la cual se disponen las habitaciones, esta forma de disponer los elementos será muy utilizada en sus diseños. En este caso fue el propio Robie quien dio ciertas directrices de como quería que fuese su casa, estancias amplias y luminosa, sin recarga ornamental, utilizando el ladrillo como material principal. En 1957 esta casa no estaba valorada como ahora, de hecho hubo un intento de demolerla ese año.
Frederick C. Robie House
Estas edificaciones ofrecen soluciones innovadoras a las necesidades de las personas, Según la Unesco «Este Bien cultural consta de ocho edificios en Estados Unidos diseñados por el arquitecto durante la primera mitad del siglo XX. Estos incluyen Fallingwater (Mill Run, Pensilvania), Herbert y Katherine Jacobs House (Madison, Wisconsin) y el Museo Guggenheim (Nueva York). Estos edificios reflejan la «arquitectura orgánica» desarrollada por Wright, que incluye un plano abierto, un desenfoque de los límites entre el exterior y el interior y el uso sin precedentes de materiales como el acero y el hormigón. Cada uno de estos edificios ofrece soluciones innovadoras a las necesidades de vivienda, culto, trabajo u ocio. El trabajo de Wright de este período tuvo un fuerte impacto en el desarrollo de la arquitectura moderna en Europa.» Aunque desde un primer momento causó furor en Europa en Estados Unidos no todos acabaron de comprender su genuinidad.
La Morena del Arte 