Quiero compartir un poquito de Semana Santa, bueno poquito según se mire, porque ya te adelanto que va para largo. Y es que hay tanto que decir que ni se por donde empezar: procesiones, pasos, cofradías… Tal vez lo mejor sea comenzar desde el principio: ¿Por qué se celebra la Semana Santa de esta manera en Valladolid? La tradición comienza en los conventos, donde surgieron las cinco primeras cofradías de la ciudad, que aún perduran: Vera Cruz, Angustias, Piedad, Sagrada Pasión y Jesús Nazareno. Fue en los siglos XVI y XVII cuando el fervor por la Semana Santa alcanzó su apogeo, pero claro cuando tienes a escultores de la talla de Juan de Juni y Gregorio Fernández, entre otros, es imposible que los sentimientos no exploten.
Sin embargo, todo empezó a decaer en el S.XIX donde se desvirtuó la idea propia del significado de la Semana Santa, debido a la proliferación de puestos de comida y bebida en las calles. Imagina la escena: cofrades con sus hábitos, imágenes sagradas adornadas con flores, y de repente, la tentación de detenerse para disfrutar de un suculento plato de carne, porque claro, estás haciendo mucho esfuerzo. La situación se descontroló por completo. De estas que nos invaden los franceses y claro cortaron con todo lo que se hacía en Semana Santa lo malo pero por desgracia también lo bueno, dejando únicamente una procesión el Viernes Santo, Luego querían que les tuviéramos cariño.
Una vez les expulsamos se vuelve a retomar la Semana Santa. El verdadero resurgir será en 1920 con el Arzobispo Gandásegui, el arquitecto e historiador Juan Agapito y Revilla y el director del Museo de Bellas Artes Francisco Cossio, ellos recuperaron las procesiones con la colaboración de las cinco cofradías penitenciales, las imágenes del museo. Se unieron asociaciones religiosas laicas al proyecto, dando lugar a la creación de nuevas cofradías y expandiendo la procesión general del Viernes Santo. Con el paso de los años, estas nuevas cofradías han contribuido con nuevas tallas, enriqueciendo aún más la tradición.
Remigio Gandasegui. Juan Agapito y Revilla. Francisco Cossio
Y esta es un poco, a grandes rasgos, como surge la Semana Santa que todos conocemos.
En estos días que nos parecen tan duro rondan en mi cabeza artistas que fueron encerrados por causa de fuerza mayor, ellos no pudieron elegir, por motivos que se escapaban a su control tuvieron que pasar años no precisamente en sus casas, es el caso del “Pintor de gatos” las imágenes que os muestro seguro que os suena, ya las habéis visto, son gatitos tiernos graciosos e infantiles que nos alegran el día.
Pero, cómo alguien se dedica a pintar gatos y de esta manera. Ante todo pongámosle nombre, Louis Wain (1860-1936) artista inglés nacido en Clerkenwell, estudió en la West London School of Arts, donde llegó a dar clases. Sin embargo abandonó esta profesión para centrarse en su pintura. En este punto para ganarse la vida comenzó a trabajar como ilustrador en revistas como Illustrated London News. Donde principalmente dibujaba todo tipo de animales.Las caricaturas de gatos llegaron posteriormente, cuando su esposa Emily enfermó de cáncer de mama, débil, Emily siempre sonreía al ver a su gato Peter, algo que entendemos a la perfección todos los que tenemos mascota. Para animar a su esposa comenzó a hacer caricaturas de Peter en actitudes y situaciones divertidas, esto le empezó a reportar cierto éxito centrándose únicamente en sus caricaturas gatunas.
Tabbies in Hyde Park
¿Y cómo son estos gatos? Son figuras antropomorfas, gatos con actitudes humanas y realizando actividades solo propias de los humanos. Al principio eran gatos con cuerpo de animal que, por ejemplo, leían el periódico. Poco a poco se fueron humanizando. Su intención a la hora de realizar las caricaturas pasó de un entretenimiento a caricaturizar la sociedad inglesa del momento. Solía recorrer la ciudad, acudir a los ambientes sociales y dibujar lo que veía, siempre transformando a las personas en gatos, estos dibujos llegaron a gustar tanto que ilustró varios cuentos infantiles, era contratado en ediciones de los más importantes periódicos de la época, así como calendarios, postales etc. El mayor éxito de su carrera llegó cuando publicó su propia revista “Louis Wain Annual” este éxito sin embargo, no pudo ser compartido con Emily, murió antes de poder ver a su marido reconocido por la élite inglesa.
The bachelor party, La fiesta de los solteros
Y que tiene todo esto que ver con hablar de artistas encerrados, pues bien, Louis, tras años de éxitos, comenzó a tener cambios en su carácter, llegando a sufrir alucinaciones y ataques de ansiedad, fue diagnosticado de esquizofrenia, todos estos cambios fue expresándolos en su pintura, si bien continuaba pintando gatos, eran mucho más coloridos y abstractos, dejando a un lado las escenas bucólicas que le hicieron famoso. Llegó a estar tan enfermo que tuvo que ser encerrado en un hospital psiquiátrico, no obstante las condiciones del lugar eran tan lamentables y él era tan querido que H.G Wells contactó con el Primer ministro y consiguió que le trasladaran al Bethem Royal Hospital, donde las instalaciones y las condiciones eran muy superiores, estando dotado de jardín e incluso de una colonia de gatos a los que por supuesto se dedicó a retratar ya no como personas, su arte fue evolucionando hacia la abstracción, realizando combinaciones de líneas, formas caleidoscopicas y colores vivos, nos muestra un impulso creativo, la forma de expresar lo que siente alguien que no tiene otro medio para hacerlo. El punto de vista de una vida que jamas seremos capaces de ver.
A cat in a gothic style
Y así pasó los últimos quince años de su vida, encerrado y pintando, sus amigos, siempre leales, se encargaban de que nunca faltaran gatos en aquel jardín. H.G.Wells afirmó que “Los gatos de Inglaterra que no se parecen a los gatos de Louis Wain se avergüenzan de sí mismos”
Y es que el arte es una vía de escape, una de las mejores maneras de expresarnos, desde aquí os animo a coger un lápiz y un papel y expresar a través de un dibujo o un escrito vuestros sentimientos, no hay nada mejor que soltar lo que uno lleva dentro y dado que nos quedan días en esta situación que mejor que desahogarnos
Gato eléctrico
A continuación os dejo más imágenes de sus gatetes.
Y como curiosidad se está rodando una película sobre su vida dirigida por Will Sharpe y protagonizada por Benedict Cunberbatch y Claire Foi.
Hace unos días me vino a la memoria este cuadro viendo fotos de viajes, ¿Porqué este cuadro? cuando viajo a una ciudad me parece visita obligada acudir a sus museos y tengo que reconocer que me gusta hacerlo con gente que en un principio no están interesados en «ver cuadros», mi cámara está llena de fotografías de mis acompañantes mientras disfrutan de una obra, cuando algo les llama la atención. Yo suelo pararme en todo, fijarme en detalles, comparto datos que creo que hacen la visita más interesante, pero luego hay un momento en que esa persona poco interesada en el arte se para en seco delante de una obra, la mira, la observa, me llama para que me acerque y empieza a hablar de todo lo que le pasa por la cabeza, un punto de vista distinto, ese momento es uno de los mejores cuando visito un museo. Es lo que ocurre con esta obra «The sunshade» no es la más conocida del artista, de hecho en la guía del museo no aparece. Hace un año estuve en Dublín, mi primera visita a Irlanda y espero que no la ultima, me encantó y la recomiendo. Y cómo no, visita obligada a la National Gallery, es allí donde se encuentra esta obra, su autor William John Leech (1881-1968) pintada en 1913, mi acompañante se quedó fascinado con el color, esa paleta cromática que a simple vista parece limitada, el rostro de la mujer, que a él le decía tantas cosas… es por eso por lo que hoy la muestro aquí a ver si a más personas le provoca esas sensaciones.
Leech toma como modelo a su esposa Elizabeth, la luz del sol irrumpe con fuerza desde la izquierda de la pintura resaltando los finos rasgos del rostro y las manos de la mujer, vestida a la moda de la época, utiliza el amarillo cadmio de la chaqueta de punto, pintado en un empaste espeso para crear textura, vibra contra el verde viridiano de la sombrilla, que proyecta sombras del mismo color sobre los hombros de la modelo. Al fondo pueden verse tallos altos de lirios, este escenario puede ser el jardín de Concarneau, donde Leech pintó su famoso cuadro «A Convent Garden Brittany», tanto el atrevido color como los parches de luz son característicos del estilo postimpresionista de Leech.
Hablemos un poco de William Jonh Leech, nació en Dublín en 1881, estudió en la Royal Hibernian Academy con Walter Osborne. En 1903, se traslada a París, donde se enamorará del paisaje francés y permanecerá hasta 1917, allí conocerá a Elisabeth Saurin, una joven pintora con un estilo artístico afín al suyo, con quien contrae matrimonio y a quien toma como modelo para esta pintura, sin embargo su matrimonio sólo durará dos años. Leech vivirá principalmente en Concarneau en Bretaña, pero visita Dublín con regularidad y continua exhibiendo anualmente en la Royal Hibernian Academy, quien lo eligió como miembro de pleno derecho en 1910. Su pintura fue ganando prestigio en París, donde le otorgaron la medalla de bronce en El Salón de 1914. En 1918, Leech sirvió por un tiempo en el ejercito en Francia a causa de la Primera Guerra Mundial, pero esta experiencia lo dejó sumido en una depresión. Sin embargo, continuó pintando y exhibiendo sus obras durante los años 20 y 30. Ya en los años 40 realizará diferentes exposiciones individuales en la Galería Dawson en Dublín, a pesar de todo el reconocimiento por sus obras a lo largo de su vida, Leech tuvo problemas financieros, se dice que llegó a hacer sus propios marcos para ahorrar dinero.
En cuanto a su estilo su trabajo muestra una influencia tanto por pintores impresionistas como Monet o Cézanne como por pintores postimpresionistas como Matisse y Van Gogh, debido a su estancia en París, pero también debido a la influencia de Walter Osborne, pintor de paisaje impresionista con quien entra en contacto en la Royal Hibernian Academy.
Autorretrato de William Jonh Leech
Y gracias a este recuerdo dejo pendiente dedicar unas líneas a Elisabeth, que cómo ya he dicho también fue artista y he descubierto cosas muy interesantes sobre ella.
Fallingwater, also known as the Edgar J. Kaufmann Sr. Residence, is a house designed by American architect Frank Lloyd Wright in 1934 in rural southwestern Pennsylvania, 50 miles southeast of Pittsburgh, and is part of the Pittsburgh Metro Area. The house was built partly over a waterfall in Bear Run at Rural Route 1
FallingWater
El 7 de julio ha tenido lugar en Bakú, Acerbaiyan, la 43ª reunión de la Unesco sobre el patrimonio mundial, incluyendo en esta ocasión ocho obras de Frank LLoyd Wright (1867-1959) a la lista de Patrimonio Mundial, todas ellas situadas en Estados Unidos.
¿Y porqué tal galardón? Por su contribución al mundo de la arquitectura. Una de sus grandes aportaciones fue la importancia que otorgó a las estancias de la casa y no a la fachada, adaptándolas a las necesidades de su propietario, desechando no sólo la ornamentación exterior, sino todas las directrices implantadas sobre arquitectura, en particular la imposición tradicional de una perfecta simetría.
Hay especialistas que le consideran más un ingeniero que un arquitecto (artista) de hecho fue estudiante de ingeniería en la Universidad de Wisconsin, carrera que abandonó después de dos años. Sin embargo él acuñó el término «Arquitectura orgánica» basada en la búsqueda de la funcionalidad, en satisfacer las necesidades del ser humano, una armonía equilibrada, de este modo la casa es considerada un organismo vivo cuyas partes están relacionadas entre si.
Las obras incluidas son:
Fallingwater (Mill Run, Pensilvania) 1936-1939 sobre la cascada del río Bear Run se sitúa esta edificación, la cual es un claro ejemplo de arquitectura orgánica, simboliza la armonía entre las personas y la naturaleza, se integra a la perfección en el terreno, esto se puede apreciar en la cimentación que utiliza la propia roca, tanto el edificio, su mobiliario y el paisaje se interrelacionan para crea esta arquitectura orgánica. El diseño a través de grandes terrazas crea la sensación de estar suspendida sobre el río. Según Wright «Donde el todo es la parte, como la parte es el todo, donde la naturaleza de los materiales, la naturaleza del propósito, la naturaleza de toda el funcionamiento son todo igual de importante para el resultado final del edificio».
Herbert y Katherine Jacobs House (Madison, Wisconsin) Herbert Jacobs era periodista en el Milwaukee Journal, quería que Wright le diseñara una vivienda para él y su familia. En este caso la preocupación de Wright era el clima cambiante de la zona, dado que puede oscilar ente -10º y 30º dependiendo de la época del año, para cubrir las necesidades de las personas, objetivo fundamental en la arquitectura de Wright, situó la parte principal de la edificación hacia el Este y el dormitorio principal hacia el sur de este modo solventaba los inconvenientes de los cambios climáticos, a esta disposición añadió paredes de madera por su carácter aislante. La estructura de esta edificación es en forma de L, de una sola planta con dos dormitorios lo que provocó que pronto fuera demasiado pequeña para la familia que pocos años después se trasladó.
Herbert y Katherine Jacobs House
Museo Guggenheim (Nueva York) 1943- 1959, la fundación Solomon Guggenheim fue creada en 1937, en Nueva York. Wright fue solicitado para este diseño pues era uno de los arquitectos más importantes del momento en Estados Unidos, sin embargo no llegó a ver terminado este gran proyecto dado que el museo fue inaugurado seis meses después de su muerte. Es una estructura original cuyo protagonista principal es una gran rampa en espiral desde la planta baja hasta la parte superior donde se sitúa un tragaluz en la cual se disponen las diferentes salas de exposiciones del museo, es un elemento revolucionario y característico de este museo, desechando el concepto tradicional de salas con obras expuestas, convirtiendo el propio edificio en una obra de arte más incluida en el lenguaje expositivo.
Museo Guggenheim
Hollyhock House (Los Ángeles) 1919 y 1921 Wright diseñó esta vivienda para Aline Barnsdall, hija de un empresario del petroleo. en la actualidad se sitúa en el Barnsdall art park. Iba a formar parte de un complejo mayor que incluiria un teatro, sin embargo no se llegó a terminar, desilusionada Barnsdall decició donar a la ciudad la construcción en 1927. La estructura se dispone alrededor de un patio central, los muros están inclinados, para su diseño se inspiró en las construcciones mayas, el material utilizado fue hormigón armado.
Hollyhock House
Casa Taliesin, Spring Green (Wisconsin) esta es la propia casa de Wright. Esta vivienda tiene una triste historia, en 1914 el chef de Wright asesinó atacando con un hacha a seis personas, entre ellas la amante del arquitecto, posteriormente incendió la vivienda. Este hecho marcó profundamente a Wright. Fue construida evocando las antiguas construcciones autóctonas, el material utilizado es piedra caliza amarilla proveniente de una cantera cercana, se adapta a la forma de la colina, consta de una sol planta toda ella rodeada de grandes ventanal para provechar la luz natural. Tras el incendio, Wright la reconstruyó como Taliesin II.
Casa Taliesin
Casa Taliesin West, (Arizona) 1937. Esta fue la casa de invierno de Wright hasta su muerte en 1959. A la hora de realizar su diseño consideró que Arizona necesitaba su propia arquitectura, la vivienda debía mimetizarse con el paisaje, utilizando como material lo que denominó como «mampostería del desierto» vigas de madera rellenas de hormigón. Dadas las temperaturas y el clima del desierto incluye soluciones diferentes como eliminar techos y cubrir con lonas, aumentar la humedad con dos estanques, muros con cámara de aire para aumentar el aislamiento, se basa en las construcciones autóctonas para inspirarse.
Taliesin West
Taliesin West, Petroglifos
Unity Temple (Oak Park, Chicago) 1909. El propio Wright definió esta obra como «mi joya». Es un diseño innovador con líneas cubistas que rompe con la idea de los templos religiosos construidos hasta el momento, En este caso el interés de Wright era la funcionalidad para el servicio religioso, se encargó del diseño de todos los elementos, no solo arquitectónico sino mobiliario, vidrieras etc. Este edificio secular incluye una sala de reuniones, balcones utilizados como aulas abiertas y otras salas especiales. Al igual que la arquitectura residencial de Wright, esta iglesia tiene como eje central la chimenea. Muchos arquitectos lo consideran el primer edificio moderno del mundo.
Unity Temple
Frederick C. Robie House (Chicago) 1910. Obra cumbre del denominado «Prairie style» o casa pradera. La vivienda se estructura a través de la gran chimenea, alrededor de la cual se disponen las habitaciones, esta forma de disponer los elementos será muy utilizada en sus diseños. En este caso fue el propio Robie quien dio ciertas directrices de como quería que fuese su casa, estancias amplias y luminosa, sin recarga ornamental, utilizando el ladrillo como material principal. En 1957 esta casa no estaba valorada como ahora, de hecho hubo un intento de demolerla ese año.
Frederick C. Robie House
Estas edificaciones ofrecen soluciones innovadoras a las necesidades de las personas, Según la Unesco «Este Bien cultural consta de ocho edificios en Estados Unidos diseñados por el arquitecto durante la primera mitad del siglo XX. Estos incluyen Fallingwater (Mill Run, Pensilvania), Herbert y Katherine Jacobs House (Madison, Wisconsin) y el Museo Guggenheim (Nueva York). Estos edificios reflejan la «arquitectura orgánica» desarrollada por Wright, que incluye un plano abierto, un desenfoque de los límites entre el exterior y el interior y el uso sin precedentes de materiales como el acero y el hormigón. Cada uno de estos edificios ofrece soluciones innovadoras a las necesidades de vivienda, culto, trabajo u ocio. El trabajo de Wright de este período tuvo un fuerte impacto en el desarrollo de la arquitectura moderna en Europa.» Aunque desde un primer momento causó furor en Europa en Estados Unidos no todos acabaron de comprender su genuinidad.
La Morena del Arte 