Quiero compartir un poquito de Semana Santa, bueno poquito según se mire, porque ya te adelanto que va para largo. Y es que hay tanto que decir que ni se por donde empezar: procesiones, pasos, cofradías… Tal vez lo mejor sea comenzar desde el principio: ¿Por qué se celebra la Semana Santa de esta manera en Valladolid? La tradición comienza en los conventos, donde surgieron las cinco primeras cofradías de la ciudad, que aún perduran: Vera Cruz, Angustias, Piedad, Sagrada Pasión y Jesús Nazareno. Fue en los siglos XVI y XVII cuando el fervor por la Semana Santa alcanzó su apogeo, pero claro cuando tienes a escultores de la talla de Juan de Juni y Gregorio Fernández, entre otros, es imposible que los sentimientos no exploten.
Sin embargo, todo empezó a decaer en el S.XIX donde se desvirtuó la idea propia del significado de la Semana Santa, debido a la proliferación de puestos de comida y bebida en las calles. Imagina la escena: cofrades con sus hábitos, imágenes sagradas adornadas con flores, y de repente, la tentación de detenerse para disfrutar de un suculento plato de carne, porque claro, estás haciendo mucho esfuerzo. La situación se descontroló por completo. De estas que nos invaden los franceses y claro cortaron con todo lo que se hacía en Semana Santa lo malo pero por desgracia también lo bueno, dejando únicamente una procesión el Viernes Santo, Luego querían que les tuviéramos cariño.
Una vez les expulsamos se vuelve a retomar la Semana Santa. El verdadero resurgir será en 1920 con el Arzobispo Gandásegui, el arquitecto e historiador Juan Agapito y Revilla y el director del Museo de Bellas Artes Francisco Cossio, ellos recuperaron las procesiones con la colaboración de las cinco cofradías penitenciales, las imágenes del museo. Se unieron asociaciones religiosas laicas al proyecto, dando lugar a la creación de nuevas cofradías y expandiendo la procesión general del Viernes Santo. Con el paso de los años, estas nuevas cofradías han contribuido con nuevas tallas, enriqueciendo aún más la tradición.
Remigio Gandasegui. Juan Agapito y Revilla. Francisco Cossio
Y esta es un poco, a grandes rasgos, como surge la Semana Santa que todos conocemos.
¡Por el amor de Dios! Cuantas veces habremos utilizado esta expresión. Su significado lo conocemos todos, se utiliza cuando algo nos escandaliza y el mundo del arte sabe mucho de escandalizar. Este es uno de esos ejemplos que precisamente se titula For the Love of God (Por el Amor de Dios) el autor Damien Hirst, un artista británico. Es conocido por sus obras conceptuales, provocativas y polémicas, que abordan temas como la muerte, la vida y la vanidad. Es famoso por su serie de animales conservados en formaldehído, como el tiburón titulado The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living. Pero este no es el ejemplo de obra que escandaliza que os quiero mostrar sino ¡por el amor de Dios! Una pieza realizada en 2007 y no es nada más ni nada menos que un molde de platino de una calavera humana, sí Humana, con 8.601 diamantes sin defectos entre los que se encuentra un diamante rosa en forma de pera en la frente. El precio… os lo cuento más adelante.
Primero contaré que quiere expresar el artista, es una exploración de la muerte, la vanidad y la obsesión por la riqueza y el lujo. La calavera es una representación impactante y provocativa, desafiando las nociones convencionales de belleza y arte. Como os podéis imaginar generó una gran polémica y dividió opiniones, algunos la consideraron una obra maestra y otros la criticaron como un mero acto de comercialización y exceso. La obra ha sido exhibida en varios museos y galerías alrededor del mundo, capturando la atención del público y generando debate sobre los límites del arte contemporáneo. Pero no solamente destaca por el lujo y la ostentación sino que no hay que olvidar que se trata de una calavera humana, la calavera de una persona que es utilizada como un objeto artístico, con lo que la ética, el respeto a los fallecidos e incluso las creencias de muchas personas ha generado toda parte de críticas, muchas personas consideran que el uso de una calavera de una persona real convierte el arte en, como mínimo, irrespetuoso y ofensivo.
Por otro lado estaría el exceso de uso de diamantes, si bien siempre se han oído quejas del uso de materiales preciosos en obras religiosas de hace cientos de años, este desfase económico para una pieza moderna no deja indiferente a nadie. Cómo es lógico la comercialización y la atención mediática en torno a la obra también han sido objeto de crítica. Algunos ven la obra como un intento de generar publicidad y aumentar el valor de la pieza a través de su exclusividad y su precio elevado. Pues en términos de precio, «For the Love of God» es una de las obras de arte más caras jamás creadas por un artista vivo. En 2007, se vendió a un grupo de inversores privados por una cifra estimada de £50 millones (alrededor de $100 millones en ese momento). En 2008 se embolsó más de 150 millones de euros tras vender varias de sus obras en la casa de subastas Sotheby’s. Damien Hirst diseñó la Union Jack gigante que cubría el escenario en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, y planea abrir su propia galería al sur de Londres en 2014, en la que expondrá su colección de arte personal.
En mi opinión, y esto es una opinión, con esta obra el autor ha conseguido lo que quería, llamar la atención. No olvidemos que como he dicho al principio, es conocido por obras provocativas y sobre todo polémicas, no creo que lo que Damien Hirst quisiera es que su calavera acabara en un museo sino que provocara que todos hablásemos de ella. Yo precisamente le estoy dando eso que reclamaba. Y sí, me escandaliza el coste de la obra, pero más aun me interesa saber de quién es la calavera, pues no olvidemos que es real, pero eso también nos lleva a la polémica de que los museos están llenos de restos humanos, expuestos como cualquier otra pieza, ¿porqué ésta ha de ser diferente a las calaveras egipcias, mayas, prehistóricas etc.?
Es una época muy extraña para mi, no están siendo momentos fáciles precisamente por lo que me he dedicado a buscar aquello que me hiciera sentir un poco mejor, porque como siempre digo, el arte hace que se remuevan los sentimientos y yo ahora necesito alegrías, por eso rebuscando entre las obras de arte más extrañas me he encontrado una ranita muy chiquitita y curiosa, no, no es la de Salamanca, está un poquito más lejos… en Rusia nada menos, en una ciudad llamada Tomsk, es posiblemente la escultura más pequeña del mundo y si, conozco las nano esculturas de Jonty Hurwitz de las que hablaré en otro artículo, ahora me apetece más hablar de una escultura que se pueda ver sin necesidad de un microscopio, aunque si eres miope como yo no te olvides las gafas puesto que esta ranita mide unos 44 milímetros, que no centímetros, pero se ha hecho tremendamente popular, como dijo Dani Martin “Ay pequeño, que grande puedes llegar a ser” y es lo que le pasa a esta ranita que es pequeñita pero la gente se baja del Transiberiano para buscarla y por supuesto hacerse el selfie correspondiente.
La rana viajera
Pero nuestra amiga no es una escultura al azar, es parte de un cuento popular de Vsevolod Garshin (1855-1888) uno de los grandes autores de literatura de la edad de oro rusa, estudió en la Escuela de San Petersburgo, posteriormente fue voluntario en la guerra Ruso-turca. De regreso a San Petersburgo sufrió un colapso mental por lo que fue ingresado en un sanatorio mental, como el pintor de gatos ¿os suena? En 1883 se casó y comenzó a trabajar en la Compañía Rusa de Ferrocarriles, un trabajo que le daba para subsistir pero que muy propicio para la creación literaria…no. aunque no lo sé, puede que fuera uno de los muchos motivos que tendría para que en 1888 se suicidara tirándose por el hueco de unas escaleras. Una desgracia, sólo tenía treinta y tres años, un hombre al que años antes Tolstoi consideró el mejor escritor joven de su tiempo junto a Chejov.
Ilustración del cuento
Bueno cambiemos a algo más amable, de que trata “La rana viajera” bueno pues en lo que he podido encontrar, que no esté en ruso ni en lituano ni en estonio ni… os hacéis idea. Pues es una ranita que presume de poder volar con los patos (o gansos) y presume delante de otras ranas y de patos de otros pantanos y resulta que nuestra amiga si vuela, dos patos sujetan una cuerda y ella se agarra a ella y así viaja por el mundo, de ahí “La ranita viajera”
Su autor es Oleg Kislitsky (1954) quien en un principio quería realizar la escultura más grande del mundo pero igualar los 182 metros de Sadar Patel de la provincia de Gujarat en La India no es fácil ni barato, por lo que Kislitsky decidió que si no podía hacer la más grande realizaría la más pequeña, por cierto Sadar Patel fue un político que luchó por la independencia de La India como Mahatma Gandhi y que esto es lo que me gusta de escribir este blog, como paso de unas cosas a otras y cómo aprendemos un poquito cosas que seguramente ni habíamos pensado, ¿Por qué a Gandhi lo conocemos pero a Patel? pero bueno que me desvío. El caso es que la originalidad y la creatividad no se le puede negar y es que Oleg es pintor, escultor, poeta… y autor de varias obras situadas en Tomsk no sólo la Rana viajera.
En estos días que nos parecen tan duro rondan en mi cabeza artistas que fueron encerrados por causa de fuerza mayor, ellos no pudieron elegir, por motivos que se escapaban a su control tuvieron que pasar años no precisamente en sus casas, es el caso del “Pintor de gatos” las imágenes que os muestro seguro que os suena, ya las habéis visto, son gatitos tiernos graciosos e infantiles que nos alegran el día.
Pero, cómo alguien se dedica a pintar gatos y de esta manera. Ante todo pongámosle nombre, Louis Wain (1860-1936) artista inglés nacido en Clerkenwell, estudió en la West London School of Arts, donde llegó a dar clases. Sin embargo abandonó esta profesión para centrarse en su pintura. En este punto para ganarse la vida comenzó a trabajar como ilustrador en revistas como Illustrated London News. Donde principalmente dibujaba todo tipo de animales.Las caricaturas de gatos llegaron posteriormente, cuando su esposa Emily enfermó de cáncer de mama, débil, Emily siempre sonreía al ver a su gato Peter, algo que entendemos a la perfección todos los que tenemos mascota. Para animar a su esposa comenzó a hacer caricaturas de Peter en actitudes y situaciones divertidas, esto le empezó a reportar cierto éxito centrándose únicamente en sus caricaturas gatunas.
Tabbies in Hyde Park
¿Y cómo son estos gatos? Son figuras antropomorfas, gatos con actitudes humanas y realizando actividades solo propias de los humanos. Al principio eran gatos con cuerpo de animal que, por ejemplo, leían el periódico. Poco a poco se fueron humanizando. Su intención a la hora de realizar las caricaturas pasó de un entretenimiento a caricaturizar la sociedad inglesa del momento. Solía recorrer la ciudad, acudir a los ambientes sociales y dibujar lo que veía, siempre transformando a las personas en gatos, estos dibujos llegaron a gustar tanto que ilustró varios cuentos infantiles, era contratado en ediciones de los más importantes periódicos de la época, así como calendarios, postales etc. El mayor éxito de su carrera llegó cuando publicó su propia revista “Louis Wain Annual” este éxito sin embargo, no pudo ser compartido con Emily, murió antes de poder ver a su marido reconocido por la élite inglesa.
The bachelor party, La fiesta de los solteros
Y que tiene todo esto que ver con hablar de artistas encerrados, pues bien, Louis, tras años de éxitos, comenzó a tener cambios en su carácter, llegando a sufrir alucinaciones y ataques de ansiedad, fue diagnosticado de esquizofrenia, todos estos cambios fue expresándolos en su pintura, si bien continuaba pintando gatos, eran mucho más coloridos y abstractos, dejando a un lado las escenas bucólicas que le hicieron famoso. Llegó a estar tan enfermo que tuvo que ser encerrado en un hospital psiquiátrico, no obstante las condiciones del lugar eran tan lamentables y él era tan querido que H.G Wells contactó con el Primer ministro y consiguió que le trasladaran al Bethem Royal Hospital, donde las instalaciones y las condiciones eran muy superiores, estando dotado de jardín e incluso de una colonia de gatos a los que por supuesto se dedicó a retratar ya no como personas, su arte fue evolucionando hacia la abstracción, realizando combinaciones de líneas, formas caleidoscopicas y colores vivos, nos muestra un impulso creativo, la forma de expresar lo que siente alguien que no tiene otro medio para hacerlo. El punto de vista de una vida que jamas seremos capaces de ver.
A cat in a gothic style
Y así pasó los últimos quince años de su vida, encerrado y pintando, sus amigos, siempre leales, se encargaban de que nunca faltaran gatos en aquel jardín. H.G.Wells afirmó que “Los gatos de Inglaterra que no se parecen a los gatos de Louis Wain se avergüenzan de sí mismos”
Y es que el arte es una vía de escape, una de las mejores maneras de expresarnos, desde aquí os animo a coger un lápiz y un papel y expresar a través de un dibujo o un escrito vuestros sentimientos, no hay nada mejor que soltar lo que uno lleva dentro y dado que nos quedan días en esta situación que mejor que desahogarnos
Gato eléctrico
A continuación os dejo más imágenes de sus gatetes.
Y como curiosidad se está rodando una película sobre su vida dirigida por Will Sharpe y protagonizada por Benedict Cunberbatch y Claire Foi.
Fallingwater, also known as the Edgar J. Kaufmann Sr. Residence, is a house designed by American architect Frank Lloyd Wright in 1934 in rural southwestern Pennsylvania, 50 miles southeast of Pittsburgh, and is part of the Pittsburgh Metro Area. The house was built partly over a waterfall in Bear Run at Rural Route 1
FallingWater
El 7 de julio ha tenido lugar en Bakú, Acerbaiyan, la 43ª reunión de la Unesco sobre el patrimonio mundial, incluyendo en esta ocasión ocho obras de Frank LLoyd Wright (1867-1959) a la lista de Patrimonio Mundial, todas ellas situadas en Estados Unidos.
¿Y porqué tal galardón? Por su contribución al mundo de la arquitectura. Una de sus grandes aportaciones fue la importancia que otorgó a las estancias de la casa y no a la fachada, adaptándolas a las necesidades de su propietario, desechando no sólo la ornamentación exterior, sino todas las directrices implantadas sobre arquitectura, en particular la imposición tradicional de una perfecta simetría.
Hay especialistas que le consideran más un ingeniero que un arquitecto (artista) de hecho fue estudiante de ingeniería en la Universidad de Wisconsin, carrera que abandonó después de dos años. Sin embargo él acuñó el término «Arquitectura orgánica» basada en la búsqueda de la funcionalidad, en satisfacer las necesidades del ser humano, una armonía equilibrada, de este modo la casa es considerada un organismo vivo cuyas partes están relacionadas entre si.
Las obras incluidas son:
Fallingwater (Mill Run, Pensilvania) 1936-1939 sobre la cascada del río Bear Run se sitúa esta edificación, la cual es un claro ejemplo de arquitectura orgánica, simboliza la armonía entre las personas y la naturaleza, se integra a la perfección en el terreno, esto se puede apreciar en la cimentación que utiliza la propia roca, tanto el edificio, su mobiliario y el paisaje se interrelacionan para crea esta arquitectura orgánica. El diseño a través de grandes terrazas crea la sensación de estar suspendida sobre el río. Según Wright «Donde el todo es la parte, como la parte es el todo, donde la naturaleza de los materiales, la naturaleza del propósito, la naturaleza de toda el funcionamiento son todo igual de importante para el resultado final del edificio».
Herbert y Katherine Jacobs House (Madison, Wisconsin) Herbert Jacobs era periodista en el Milwaukee Journal, quería que Wright le diseñara una vivienda para él y su familia. En este caso la preocupación de Wright era el clima cambiante de la zona, dado que puede oscilar ente -10º y 30º dependiendo de la época del año, para cubrir las necesidades de las personas, objetivo fundamental en la arquitectura de Wright, situó la parte principal de la edificación hacia el Este y el dormitorio principal hacia el sur de este modo solventaba los inconvenientes de los cambios climáticos, a esta disposición añadió paredes de madera por su carácter aislante. La estructura de esta edificación es en forma de L, de una sola planta con dos dormitorios lo que provocó que pronto fuera demasiado pequeña para la familia que pocos años después se trasladó.
Herbert y Katherine Jacobs House
Museo Guggenheim (Nueva York) 1943- 1959, la fundación Solomon Guggenheim fue creada en 1937, en Nueva York. Wright fue solicitado para este diseño pues era uno de los arquitectos más importantes del momento en Estados Unidos, sin embargo no llegó a ver terminado este gran proyecto dado que el museo fue inaugurado seis meses después de su muerte. Es una estructura original cuyo protagonista principal es una gran rampa en espiral desde la planta baja hasta la parte superior donde se sitúa un tragaluz en la cual se disponen las diferentes salas de exposiciones del museo, es un elemento revolucionario y característico de este museo, desechando el concepto tradicional de salas con obras expuestas, convirtiendo el propio edificio en una obra de arte más incluida en el lenguaje expositivo.
Museo Guggenheim
Hollyhock House (Los Ángeles) 1919 y 1921 Wright diseñó esta vivienda para Aline Barnsdall, hija de un empresario del petroleo. en la actualidad se sitúa en el Barnsdall art park. Iba a formar parte de un complejo mayor que incluiria un teatro, sin embargo no se llegó a terminar, desilusionada Barnsdall decició donar a la ciudad la construcción en 1927. La estructura se dispone alrededor de un patio central, los muros están inclinados, para su diseño se inspiró en las construcciones mayas, el material utilizado fue hormigón armado.
Hollyhock House
Casa Taliesin, Spring Green (Wisconsin) esta es la propia casa de Wright. Esta vivienda tiene una triste historia, en 1914 el chef de Wright asesinó atacando con un hacha a seis personas, entre ellas la amante del arquitecto, posteriormente incendió la vivienda. Este hecho marcó profundamente a Wright. Fue construida evocando las antiguas construcciones autóctonas, el material utilizado es piedra caliza amarilla proveniente de una cantera cercana, se adapta a la forma de la colina, consta de una sol planta toda ella rodeada de grandes ventanal para provechar la luz natural. Tras el incendio, Wright la reconstruyó como Taliesin II.
Casa Taliesin
Casa Taliesin West, (Arizona) 1937. Esta fue la casa de invierno de Wright hasta su muerte en 1959. A la hora de realizar su diseño consideró que Arizona necesitaba su propia arquitectura, la vivienda debía mimetizarse con el paisaje, utilizando como material lo que denominó como «mampostería del desierto» vigas de madera rellenas de hormigón. Dadas las temperaturas y el clima del desierto incluye soluciones diferentes como eliminar techos y cubrir con lonas, aumentar la humedad con dos estanques, muros con cámara de aire para aumentar el aislamiento, se basa en las construcciones autóctonas para inspirarse.
Taliesin West
Taliesin West, Petroglifos
Unity Temple (Oak Park, Chicago) 1909. El propio Wright definió esta obra como «mi joya». Es un diseño innovador con líneas cubistas que rompe con la idea de los templos religiosos construidos hasta el momento, En este caso el interés de Wright era la funcionalidad para el servicio religioso, se encargó del diseño de todos los elementos, no solo arquitectónico sino mobiliario, vidrieras etc. Este edificio secular incluye una sala de reuniones, balcones utilizados como aulas abiertas y otras salas especiales. Al igual que la arquitectura residencial de Wright, esta iglesia tiene como eje central la chimenea. Muchos arquitectos lo consideran el primer edificio moderno del mundo.
Unity Temple
Frederick C. Robie House (Chicago) 1910. Obra cumbre del denominado «Prairie style» o casa pradera. La vivienda se estructura a través de la gran chimenea, alrededor de la cual se disponen las habitaciones, esta forma de disponer los elementos será muy utilizada en sus diseños. En este caso fue el propio Robie quien dio ciertas directrices de como quería que fuese su casa, estancias amplias y luminosa, sin recarga ornamental, utilizando el ladrillo como material principal. En 1957 esta casa no estaba valorada como ahora, de hecho hubo un intento de demolerla ese año.
Frederick C. Robie House
Estas edificaciones ofrecen soluciones innovadoras a las necesidades de las personas, Según la Unesco «Este Bien cultural consta de ocho edificios en Estados Unidos diseñados por el arquitecto durante la primera mitad del siglo XX. Estos incluyen Fallingwater (Mill Run, Pensilvania), Herbert y Katherine Jacobs House (Madison, Wisconsin) y el Museo Guggenheim (Nueva York). Estos edificios reflejan la «arquitectura orgánica» desarrollada por Wright, que incluye un plano abierto, un desenfoque de los límites entre el exterior y el interior y el uso sin precedentes de materiales como el acero y el hormigón. Cada uno de estos edificios ofrece soluciones innovadoras a las necesidades de vivienda, culto, trabajo u ocio. El trabajo de Wright de este período tuvo un fuerte impacto en el desarrollo de la arquitectura moderna en Europa.» Aunque desde un primer momento causó furor en Europa en Estados Unidos no todos acabaron de comprender su genuinidad.
La Morena del Arte 